Frieze New York May 9–12, 2014
Os invitamos a que nos visitéis en FRIEZE NEW
YORK 2014 en nuestro STAND D34 en la SECCIÓN FOCUS.
La feria estará abierta desde el 9 al 12 DE MAYO, 2014
En Randall’s Island Park, Manhattan, United States
Para más información: www.friezenewyork.com
We cordially invite you to visit us on BOOTH D34, FOCUS SECTION at this year’s FRIEZE NEW YORK.
The fair will take place from MAY 9 – 12, 2014
Location:
Randall’s Island Park, Manhattan, United States
For further information please visit: www.friezenewyork.com
La feria estará abierta desde el 9 al 12 DE MAYO, 2014
En Randall’s Island Park, Manhattan, United States
Para más información: www.friezenewyork.com
We cordially invite you to visit us on BOOTH D34, FOCUS SECTION at this year’s FRIEZE NEW YORK.
The fair will take place from MAY 9 – 12, 2014
Location:
Randall’s Island Park, Manhattan, United States
For further information please visit: www.friezenewyork.com
Frieze New York is one
of the world's leading contemporary art fairs and takes place on Randall's
Island, Manhattan.
Updates
04/25/2014
Frieze
is pleased to announce the Frieze Talks program at Frieze New York 2014.
Participants include: Masha Alekhina and Nadya Tolokonnikova of Pussy Riot /
Zona Prava; Okwui Enwezor, Artistic Director of the 56th Venice Biennale;
Kenneth Goldsmith, poet and author; Joshua Oppenheimer, director of The Act of
Killing (2012); and Adam Szymczyk, Artistic Director of documenta 14.
04/18/2014
Frieze
is pleased to announce details of the Education program for Frieze New York
2014. Combining workshops for high school students with visiting groups of
school children to this year’s fair, the Education program at Frieze New York
aims to encourage a collaborative working process and create an awareness of
current practice in the contemporary art world.
______________________________________
28 marzo – 23 mayo 2014 / 28th March – 23th May 2014
Inauguración: viernes 28 de marzo 2014, 20,00 h.
Opening Reception: Friday March 28th, 2014, 20,00 h.
Espacio #1 – galería / Space #1 – Gallery
Monika Anselment: FERN SEHEN
Espacio #2 – Escaparate + Espacio #3 – Ventana
Space #2 – Showcase + Space #3 – Window
Eduardo Nave: A la hora, En el lugar
Espacio #1 – galería / Space #1 – Gallery:
Monika Anselment: FERN SEHEN
En alemán una televisión es un aparato para mirar lo que está lejos. La palabra griega tēle dentro de la palabra televisión es equivalente a FERN que significa lejos, y la palabra latina visiō dentro de la palabra televisión es equivalente a SEHEN que significa mirar.
MONIKA ANSELMENT: GRADO CERO DEL DOCUMENTO, MEDIOS DE COMUNICACIÓN DE MASA E HISTORIA
Monika Anselment sobre todo usa documentos, trabaja sobre los mass media y toma como tema la historia. En estos aspectos no se agotan todas las implicaciones de su obra, pero son aquellas que más me interesan.
Para Roland Barthes el grado cero de la escritura sería un texto donde el autor está ausente, donde por tanto toda manipulación por su parte se niega y donde el documento permanece en un estado puro, inalterado. Pero esto es un imposible, un mero horizonte ideal: Anselment nunca está más presente que precisamente a través de los documentos.
Decir de su obra que es el grado cero del documento quizás quiere decir que podría ser un documento puro y no otra cosa. Sin embargo sus fotografías de la pantalla de la TV no son televisión, ni el producto del objetivo de un fotoreportero in situ. Es claro lo que son y nos aparecen además, no en las páginas de las noticias, sino en el contexto de las obras de arte, con todo el parergon que implican, papel fotográfico, marcos y cristales, paredes de galerías, menciones en los textos sobre arte. Son en definitiva demasiado obras de arte y por tanto no podemos pasar por alto la voluntad de un autor de mostrar un evento real, no una puesta en escena, ni un efecto de la fantasía.
La serie de fotografías TV Wars me parece central en la obra de Anselment. Define y determina la naturaleza de todas las que siguen ese modelo. Es interesante que sus presupuestos básicos (uso de un documento en estado puro que por la mera mostración desvela la naturaleza de lo que está ocurriendo) se trasladan a otros ámbitos no fotográficos. Lo que hace patente que lo importante es la maquinaria conceptual que se pone en funcionamiento y no tanto un género artístico u otro. Un buen ejemplo son los chistes de “Wir lieben das Leben, wo wir nur können ...” 2011-2013. Los chistes son un documento que ha sido recogido en distintos ámbitos, algunos orales, otros de fuentes impresas, es decir, recogidos allí donde se encuentran y mostrados sin más manipulación que su selección. En el caso de TV Wars, la mostración produce el reconocimiento de la ocultación de los efectos de la guerra y en el caso de los chistes produce la vivencia no simplemente de momentos humorísticos, sino de cómo la fuerza corrosiva pero también común de la alegría, queda oculta en las imágenes de los medios de comunicación, más atentos a juegos de intereses de las fuerzas en liza que a los puntos de vista de la gente común.
Anselment usa la misma estrategia en otras obras no fotográficas. Los documentos recogidos pueden ser también relatos orales, libros, carteles y otras imágenes, hasta objetos cotidianos. Podríamos pensar que su capacidad de rendir testimonio de algo que ha ocurrido en el mundo es una cuestión de fidelidad. Sin embargo muchas de sus imágenes son muy poco realistas (la pantalla deforma, produce cambios en los colores, aunque estamos acostumbrados a ignorarlos), pero no se puede poner en duda su intención de poner de manifiesto lo que ocurre en el mundo. Siendo más atentos nos damos cuenta de que sí, sus fotografías son realistas porque muestran la pantalla de la TV tal como es. Son las imágenes mostradas por la TV las que no son realistas. En cambio sus tomas nos hacen ver más cosas de las que habitualmente aprendemos cuando estamos inocentemente delante de la TV. De hecho contrarrestan las visiones construidas por los media y por lo tanto son otra versión diferente de esas historias.
Otra paradoja más es que el documento, algo concreto y particular en cada caso, con su valor temporal y geográfico único, acaba siendo un vehículo de globalización poderosísimo y por muy peculiar que sea el evento, la naturaleza de su mostración fotográfica, en cualquier variante, es la misma en todo sitio. Esa igualdad de los medios produce una mímesis de las formas. A veces son muy pocos los detalles diferenciadores y la localización depende enteramente de símbolos como banderas, logos de cadenas televisivas o textos que aparecen sobreimpresos en la pantalla. Uniformizadas, las imágenes aparecidas en la televisión a menudo no muestran nada y dejan todo a la imaginación: nos podemos imaginar los impactos de las bombas sobre los edificios, las ruinas, las columnas de humo, los montones de metal y de material pesado sobre los cuerpos, los regueros de sangre, etc. Tenemos muchas imágenes creadas en el último siglo para basarnos, hemos crecido con ellas y los niños ahora con muchas más. Podemos imaginar también las torturas, las cárceles inmundas, los malos tratos, etc. No nos faltan ni imágenes ni descripciones. Apenas algunas instantáneas fugaces nos bastan para comenzar el proceso, algunas figuras, no importa cuán desfiguradas estén por el grano grueso de la falta de resolución.
La capacidad de suplir la falta de definición es una estrategia del arte y los mass media, que utilizan la sabiduría de siglos que poseen las artes visuales: cuando la vista no ve, la imaginación puede imaginar todo, incluido que nada haya pasado, y ciertamente el ojo no tiene ninguna certeza; no ve ni los impactos, ni las bombas, ni los regueros de sangre, ni los muertos, todo queda bajo los efectos de luz en los cielos, para más impresión a menudo nocturnos. ¿Cómo romper esta inevitable conclusión? ¿Nada ha pasado realmente, o al menos no tanto? Anselment ha encontrado un recurso tan simple como eficaz: mostrando su repetición, esto es, haciéndonos constatar como la imagen de esa escena sustituye a toda escena y así nos hace tener conciencia de ese secreto a voces que no conocemos pero que percibimos que se nos oculta.
El problema de gran parte de la ingente cantidad de obras de arte contemporáneas que usan imágenes ajenas es que éstas funcionan como un mero collage o montaje, impactante quizás por su contenido y forma, pero muy desligado de los eventos que documentan, convertidos en meros simulacros. En Anselment, por el contrario, son las imágenes que elige los simulacros, pero las fotografías de la TV con ellas, no son simulacro, sino documento. Pertenecen a un momento de la historia y a un discurso sobre ese momento.
¿Estaría convirtiendo el presente en mito al insistir en refotografiarlo y ofrecérnoslo para la contemplación? No, porque sin exagerar la capacidad del arte para darnos a conocer la realidad, su trabajo nos da a conocer nuestro mundo, no son objetos de seducción sino objetos de conocimiento. Es por ello también que aunque son literalmente casi apropiaciones (no en sentido estricto, porque muestran el contexto de donde han sido tomadas, esto es, el marco de la TV), la teoría del apropiacionismo y los artistas más notables que lo han usado no me parecen relevantes a la hora de buscar afiliaciones. Su obra la encuentro más emparentada con una red de artistas que se extiende por la geografía y el tiempo sin mucho en común excepto el deseo de incidir en la historia transformando el mundo.
En estas obras el sujeto de la historia es el otro. Sin hablar por él, pues hoy, en nuestro mundo de libre circulación de imágenes y textos, todas las versiones, las de aquí y las de allá, se pueden contraponer. Esta libre circulación de ideas produce, junto a la acumulación de conocimientos, también la de tópicos apilados sobre tópicos. Anselment se toma cuidado de evitar caer en ellos. Su tema no es ni la violencia, ni el terror, ni el genocidio, ni la masacre. Tampoco la identidad. O quizás sí de alguna manera. ¿Qué es lo que quiere mostrarnos con sus imágenes? Lo que se ve en ellas. Aunque parezca no verse nada.
Si frente a algunas de sus fotos de Anselment parece que no podemos anticipar nada, otras, las de Al Tahrir, por ejemplo, son descriptivas de lo que está ocurriendo. Es una última cuestión que me importa mucho enfatizar. Ni las fotos son cualesquiera imágenes ni los conflictos que nos muestra son cualquier conflicto, al contrario son fotografías y conflictos muy específicos. Constituyen un archivo, pero no son una colección de imágenes indiscriminada, muestran la guerra de las imágenes o mejor dicho, las imágenes, como armas de la guerra. Evidencian los supuestos que operan tras la libre asociación que opera en la contemplación de ciertas imágenes difundidas por la TV, precisamente para evitar que nos dejemos llevar por ellas. Pero no sólo hablan de como las imágenes ocultan información, no se agotan en un discurso metalingüístico, que lo tienen en cuanto mueven al espectador a considerar lo que hacen. Pero no es el objetivo final de la artista. El objetivo final es hacer transparente quién (nosotros) y qué (producir verdadero derramamiento de sangre a verdaderas víctimas inocentes) es hecho a quiénes (los habitantes de Bagdad por ejemplo).
En vez de hablar de arte lo verdaderamente importante sería mencionar los hechos: Bagdad, los Balcanes, Bagdad de nuevo, September 11, Guantánamo, el Mediterráneo, Cuba, la muerte de Bin Laden, El Cairo, sin ser exhaustivo esta lista da una idea de los eventos. En ellos lo que llamamos nuestra cultura ha estado fuertemente implicada a través de sus poderes armados. Obviamente no son todos los que han ocurrido en el mundo en los últimos años. Si están fuertemente grabados en nuestra conciencia colectiva, seguro tienen distinta intensidad en otras memorias. Por eso también me parece que el trabajo de Anselment tiene mucho que ver con el esfuerzo del sujeto de crear su identidad sin dejarse someter a lo que las instituciones fuerzan en la población. Pero en este punto, el más importante, la palabra debería tomarla el historiador o el ciudadano que lleva en su memoria toda esta sucesión imparable de desastres y sufrimiento inútil para quien no puede remediarlo, ocasión de medrar para unos pocos.
Simeón Saiz Ruiz
En las obras que estan reunidas en la exposición FERN SEHEN Monika Anselment investiga los medios de comunicación y su papel en la información. ¿Cómo se hace una imagen de un lugar donde uno no está? Estas obras fueron expuestas muchas veces en países diferentes : Historias de Bagdad entre otras en Düsseldorf (2002), Berlín (2003), Salzburgo (2003), Zaragoza (2003). TV WARS entre otras en Leipzig (2003), Gerona (2005), Valencia (2006), Berlín (2006), Salses (2007) y Aleppo (2012). That’s what we see from Palestine – dayly fresh at dinnertime en Berlín (2008). Sehnsucht [Anhelar] en Berlín (2010) y en Madrid (2011). Guantánamo en Mataró (Barcelona) (2011). « Wir lieben das Leben, wo wir nur können … » [« Nosotros amamos la vida, cuando hallamos un camino hacia ella, … », Mahmud Darwich] en Almagro (2012) y en Berna (2013). Anselment publicó algunos libros de artista dentro del proyecto Historias de Bagdad. En 2010 comisarió con Magdala Perpinyà la exposición Confianza ciega en Berlín. Monika Anselment vive y trabaja en Berlín y Llançà (Figueres).
Espacio #2 – Escaparate + Espacio #3 – Ventana
Space #2 – Showcase + Space #3 – Window
Eduardo Nave: A la hora, En el lugar
A LA HORA, EN EL LUGAR
Lo estremecedor en la obra de Eduardo Nave no es lo que se ve, sino lo que se oye. Su fotografía es un acto de escucha permanente sobre el paisaje, consecuencia de tener un oído extremadamente sensible y obstinado. La auscultación del lugar es el procedimiento habitual que el autor emplea para ir en busca de un hilo de voz. Las atmósferas que obtiene suelen proyectar un estado de calma aparente, sin embargo encubren un gesto de dolor que genera un clima portador de sospecha y desasosiego. A través de la fotografía explora la patología del paisaje con el fin de liberar una señal enmudecida.
A la hora en el lugar es un trabajo de documentación donde cobra especial importancia la expresión de la tragedia en clave sonora: la magnitud del volumen y la intensidad del sufrimiento que nace de la propia imagen. Nave se desplaza hasta aquellos enclaves en donde la organización terrorista ETA ha cometido un atentado desde la década de los sesenta hasta la actualidad y se somete a la naturaleza de los hechos perpetrados. El mismo día, a la hora exacta, se presenta en el escenario preciso y realiza una toma fotográfica. Tanto el encuadre como el tiempo de exposición reproducen la ubicación y la durabilidad del suceso. Sin posibilidad de escoger la luz o el punto de vista más apropiado, captura la cruda realidad. La exactitud y la subordinación de los acontecimientos han marcado el lado más vivencial del proyecto, renunciando incluso a cualquier valoración plástica. A la hora en el lugar es un retrato de la pérdida y de la ausencia, pero sobre todo es el reconocimiento de un mundo arrebatado. El vacío en la imagen invita a la reconstrucción acústica del miedo y del horror. De ahí la admisión de la fotografía como caja de resonancia. Cada localización adopta la condición de piel historiada, como una superficie sensible que retiene huellas e incisiones. En cierto sentido es una película impresionable donde queda grabada parte de nuestra memoria.
Eduardo Nave nos invita a reflexionar sobre el mutismo y la mutilación que sufre el individuo y su entorno a partir de referencias históricas, haciendo que su obra alcance dimensiones sorprendentes. Sin duda inmortaliza el síntoma en la imagen y convoca la urgencia de la escucha. Al igual que en otras de sus series, resulta difícil no advertir en la mirada del autor a un compositor de réquiems visuales. Su trabajo articula una sinfonía personal contra el olvido y adopta la forma de un poema de duelo por la palabra despojada.
Mireia A. Puigventós
www.eduardonave.com
28 marzo – 23 mayo 2014 / 28th March – 23th May 2014
Inauguración: viernes 28 de marzo 2014, 20,00 h.
Opening Reception: Friday March 28th, 2014, 20,00 h.
Espacio #1 – galería / Space #1 – Gallery
Monika Anselment: FERN SEHEN
Espacio #2 – Escaparate + Espacio #3 – Ventana
Space #2 – Showcase + Space #3 – Window
Eduardo Nave: A la hora, En el lugar
Espacio #1 – galería / Space #1 – Gallery:
Monika Anselment: FERN SEHEN
En alemán una televisión es un aparato para mirar lo que está lejos. La palabra griega tēle dentro de la palabra televisión es equivalente a FERN que significa lejos, y la palabra latina visiō dentro de la palabra televisión es equivalente a SEHEN que significa mirar.
MONIKA ANSELMENT: GRADO CERO DEL DOCUMENTO, MEDIOS DE COMUNICACIÓN DE MASA E HISTORIA
Monika Anselment sobre todo usa documentos, trabaja sobre los mass media y toma como tema la historia. En estos aspectos no se agotan todas las implicaciones de su obra, pero son aquellas que más me interesan.
Para Roland Barthes el grado cero de la escritura sería un texto donde el autor está ausente, donde por tanto toda manipulación por su parte se niega y donde el documento permanece en un estado puro, inalterado. Pero esto es un imposible, un mero horizonte ideal: Anselment nunca está más presente que precisamente a través de los documentos.
Decir de su obra que es el grado cero del documento quizás quiere decir que podría ser un documento puro y no otra cosa. Sin embargo sus fotografías de la pantalla de la TV no son televisión, ni el producto del objetivo de un fotoreportero in situ. Es claro lo que son y nos aparecen además, no en las páginas de las noticias, sino en el contexto de las obras de arte, con todo el parergon que implican, papel fotográfico, marcos y cristales, paredes de galerías, menciones en los textos sobre arte. Son en definitiva demasiado obras de arte y por tanto no podemos pasar por alto la voluntad de un autor de mostrar un evento real, no una puesta en escena, ni un efecto de la fantasía.
La serie de fotografías TV Wars me parece central en la obra de Anselment. Define y determina la naturaleza de todas las que siguen ese modelo. Es interesante que sus presupuestos básicos (uso de un documento en estado puro que por la mera mostración desvela la naturaleza de lo que está ocurriendo) se trasladan a otros ámbitos no fotográficos. Lo que hace patente que lo importante es la maquinaria conceptual que se pone en funcionamiento y no tanto un género artístico u otro. Un buen ejemplo son los chistes de “Wir lieben das Leben, wo wir nur können ...” 2011-2013. Los chistes son un documento que ha sido recogido en distintos ámbitos, algunos orales, otros de fuentes impresas, es decir, recogidos allí donde se encuentran y mostrados sin más manipulación que su selección. En el caso de TV Wars, la mostración produce el reconocimiento de la ocultación de los efectos de la guerra y en el caso de los chistes produce la vivencia no simplemente de momentos humorísticos, sino de cómo la fuerza corrosiva pero también común de la alegría, queda oculta en las imágenes de los medios de comunicación, más atentos a juegos de intereses de las fuerzas en liza que a los puntos de vista de la gente común.
Anselment usa la misma estrategia en otras obras no fotográficas. Los documentos recogidos pueden ser también relatos orales, libros, carteles y otras imágenes, hasta objetos cotidianos. Podríamos pensar que su capacidad de rendir testimonio de algo que ha ocurrido en el mundo es una cuestión de fidelidad. Sin embargo muchas de sus imágenes son muy poco realistas (la pantalla deforma, produce cambios en los colores, aunque estamos acostumbrados a ignorarlos), pero no se puede poner en duda su intención de poner de manifiesto lo que ocurre en el mundo. Siendo más atentos nos damos cuenta de que sí, sus fotografías son realistas porque muestran la pantalla de la TV tal como es. Son las imágenes mostradas por la TV las que no son realistas. En cambio sus tomas nos hacen ver más cosas de las que habitualmente aprendemos cuando estamos inocentemente delante de la TV. De hecho contrarrestan las visiones construidas por los media y por lo tanto son otra versión diferente de esas historias.
Otra paradoja más es que el documento, algo concreto y particular en cada caso, con su valor temporal y geográfico único, acaba siendo un vehículo de globalización poderosísimo y por muy peculiar que sea el evento, la naturaleza de su mostración fotográfica, en cualquier variante, es la misma en todo sitio. Esa igualdad de los medios produce una mímesis de las formas. A veces son muy pocos los detalles diferenciadores y la localización depende enteramente de símbolos como banderas, logos de cadenas televisivas o textos que aparecen sobreimpresos en la pantalla. Uniformizadas, las imágenes aparecidas en la televisión a menudo no muestran nada y dejan todo a la imaginación: nos podemos imaginar los impactos de las bombas sobre los edificios, las ruinas, las columnas de humo, los montones de metal y de material pesado sobre los cuerpos, los regueros de sangre, etc. Tenemos muchas imágenes creadas en el último siglo para basarnos, hemos crecido con ellas y los niños ahora con muchas más. Podemos imaginar también las torturas, las cárceles inmundas, los malos tratos, etc. No nos faltan ni imágenes ni descripciones. Apenas algunas instantáneas fugaces nos bastan para comenzar el proceso, algunas figuras, no importa cuán desfiguradas estén por el grano grueso de la falta de resolución.
La capacidad de suplir la falta de definición es una estrategia del arte y los mass media, que utilizan la sabiduría de siglos que poseen las artes visuales: cuando la vista no ve, la imaginación puede imaginar todo, incluido que nada haya pasado, y ciertamente el ojo no tiene ninguna certeza; no ve ni los impactos, ni las bombas, ni los regueros de sangre, ni los muertos, todo queda bajo los efectos de luz en los cielos, para más impresión a menudo nocturnos. ¿Cómo romper esta inevitable conclusión? ¿Nada ha pasado realmente, o al menos no tanto? Anselment ha encontrado un recurso tan simple como eficaz: mostrando su repetición, esto es, haciéndonos constatar como la imagen de esa escena sustituye a toda escena y así nos hace tener conciencia de ese secreto a voces que no conocemos pero que percibimos que se nos oculta.
El problema de gran parte de la ingente cantidad de obras de arte contemporáneas que usan imágenes ajenas es que éstas funcionan como un mero collage o montaje, impactante quizás por su contenido y forma, pero muy desligado de los eventos que documentan, convertidos en meros simulacros. En Anselment, por el contrario, son las imágenes que elige los simulacros, pero las fotografías de la TV con ellas, no son simulacro, sino documento. Pertenecen a un momento de la historia y a un discurso sobre ese momento.
¿Estaría convirtiendo el presente en mito al insistir en refotografiarlo y ofrecérnoslo para la contemplación? No, porque sin exagerar la capacidad del arte para darnos a conocer la realidad, su trabajo nos da a conocer nuestro mundo, no son objetos de seducción sino objetos de conocimiento. Es por ello también que aunque son literalmente casi apropiaciones (no en sentido estricto, porque muestran el contexto de donde han sido tomadas, esto es, el marco de la TV), la teoría del apropiacionismo y los artistas más notables que lo han usado no me parecen relevantes a la hora de buscar afiliaciones. Su obra la encuentro más emparentada con una red de artistas que se extiende por la geografía y el tiempo sin mucho en común excepto el deseo de incidir en la historia transformando el mundo.
En estas obras el sujeto de la historia es el otro. Sin hablar por él, pues hoy, en nuestro mundo de libre circulación de imágenes y textos, todas las versiones, las de aquí y las de allá, se pueden contraponer. Esta libre circulación de ideas produce, junto a la acumulación de conocimientos, también la de tópicos apilados sobre tópicos. Anselment se toma cuidado de evitar caer en ellos. Su tema no es ni la violencia, ni el terror, ni el genocidio, ni la masacre. Tampoco la identidad. O quizás sí de alguna manera. ¿Qué es lo que quiere mostrarnos con sus imágenes? Lo que se ve en ellas. Aunque parezca no verse nada.
Si frente a algunas de sus fotos de Anselment parece que no podemos anticipar nada, otras, las de Al Tahrir, por ejemplo, son descriptivas de lo que está ocurriendo. Es una última cuestión que me importa mucho enfatizar. Ni las fotos son cualesquiera imágenes ni los conflictos que nos muestra son cualquier conflicto, al contrario son fotografías y conflictos muy específicos. Constituyen un archivo, pero no son una colección de imágenes indiscriminada, muestran la guerra de las imágenes o mejor dicho, las imágenes, como armas de la guerra. Evidencian los supuestos que operan tras la libre asociación que opera en la contemplación de ciertas imágenes difundidas por la TV, precisamente para evitar que nos dejemos llevar por ellas. Pero no sólo hablan de como las imágenes ocultan información, no se agotan en un discurso metalingüístico, que lo tienen en cuanto mueven al espectador a considerar lo que hacen. Pero no es el objetivo final de la artista. El objetivo final es hacer transparente quién (nosotros) y qué (producir verdadero derramamiento de sangre a verdaderas víctimas inocentes) es hecho a quiénes (los habitantes de Bagdad por ejemplo).
En vez de hablar de arte lo verdaderamente importante sería mencionar los hechos: Bagdad, los Balcanes, Bagdad de nuevo, September 11, Guantánamo, el Mediterráneo, Cuba, la muerte de Bin Laden, El Cairo, sin ser exhaustivo esta lista da una idea de los eventos. En ellos lo que llamamos nuestra cultura ha estado fuertemente implicada a través de sus poderes armados. Obviamente no son todos los que han ocurrido en el mundo en los últimos años. Si están fuertemente grabados en nuestra conciencia colectiva, seguro tienen distinta intensidad en otras memorias. Por eso también me parece que el trabajo de Anselment tiene mucho que ver con el esfuerzo del sujeto de crear su identidad sin dejarse someter a lo que las instituciones fuerzan en la población. Pero en este punto, el más importante, la palabra debería tomarla el historiador o el ciudadano que lleva en su memoria toda esta sucesión imparable de desastres y sufrimiento inútil para quien no puede remediarlo, ocasión de medrar para unos pocos.
Simeón Saiz Ruiz
En las obras que estan reunidas en la exposición FERN SEHEN Monika Anselment investiga los medios de comunicación y su papel en la información. ¿Cómo se hace una imagen de un lugar donde uno no está? Estas obras fueron expuestas muchas veces en países diferentes : Historias de Bagdad entre otras en Düsseldorf (2002), Berlín (2003), Salzburgo (2003), Zaragoza (2003). TV WARS entre otras en Leipzig (2003), Gerona (2005), Valencia (2006), Berlín (2006), Salses (2007) y Aleppo (2012). That’s what we see from Palestine – dayly fresh at dinnertime en Berlín (2008). Sehnsucht [Anhelar] en Berlín (2010) y en Madrid (2011). Guantánamo en Mataró (Barcelona) (2011). « Wir lieben das Leben, wo wir nur können … » [« Nosotros amamos la vida, cuando hallamos un camino hacia ella, … », Mahmud Darwich] en Almagro (2012) y en Berna (2013). Anselment publicó algunos libros de artista dentro del proyecto Historias de Bagdad. En 2010 comisarió con Magdala Perpinyà la exposición Confianza ciega en Berlín. Monika Anselment vive y trabaja en Berlín y Llançà (Figueres).
Espacio #2 – Escaparate + Espacio #3 – Ventana
Space #2 – Showcase + Space #3 – Window
Eduardo Nave: A la hora, En el lugar
A LA HORA, EN EL LUGAR
Lo estremecedor en la obra de Eduardo Nave no es lo que se ve, sino lo que se oye. Su fotografía es un acto de escucha permanente sobre el paisaje, consecuencia de tener un oído extremadamente sensible y obstinado. La auscultación del lugar es el procedimiento habitual que el autor emplea para ir en busca de un hilo de voz. Las atmósferas que obtiene suelen proyectar un estado de calma aparente, sin embargo encubren un gesto de dolor que genera un clima portador de sospecha y desasosiego. A través de la fotografía explora la patología del paisaje con el fin de liberar una señal enmudecida.
A la hora en el lugar es un trabajo de documentación donde cobra especial importancia la expresión de la tragedia en clave sonora: la magnitud del volumen y la intensidad del sufrimiento que nace de la propia imagen. Nave se desplaza hasta aquellos enclaves en donde la organización terrorista ETA ha cometido un atentado desde la década de los sesenta hasta la actualidad y se somete a la naturaleza de los hechos perpetrados. El mismo día, a la hora exacta, se presenta en el escenario preciso y realiza una toma fotográfica. Tanto el encuadre como el tiempo de exposición reproducen la ubicación y la durabilidad del suceso. Sin posibilidad de escoger la luz o el punto de vista más apropiado, captura la cruda realidad. La exactitud y la subordinación de los acontecimientos han marcado el lado más vivencial del proyecto, renunciando incluso a cualquier valoración plástica. A la hora en el lugar es un retrato de la pérdida y de la ausencia, pero sobre todo es el reconocimiento de un mundo arrebatado. El vacío en la imagen invita a la reconstrucción acústica del miedo y del horror. De ahí la admisión de la fotografía como caja de resonancia. Cada localización adopta la condición de piel historiada, como una superficie sensible que retiene huellas e incisiones. En cierto sentido es una película impresionable donde queda grabada parte de nuestra memoria.
Eduardo Nave nos invita a reflexionar sobre el mutismo y la mutilación que sufre el individuo y su entorno a partir de referencias históricas, haciendo que su obra alcance dimensiones sorprendentes. Sin duda inmortaliza el síntoma en la imagen y convoca la urgencia de la escucha. Al igual que en otras de sus series, resulta difícil no advertir en la mirada del autor a un compositor de réquiems visuales. Su trabajo articula una sinfonía personal contra el olvido y adopta la forma de un poema de duelo por la palabra despojada.
Mireia A. Puigventós
www.eduardonave.com
Estimado AMIGO/A
Hola desde Valencia, lugar de resistencia.
Os escribimos porque nos gustaría compartir con vosotros algo
tan especial como la inauguración de nuestro nuevo espacio, que tendrá lugar el
sábado día 29 de Junio 2013; y por lo tanto, queremos haceros participes de
todas las actividades que hemos organizado para ese día.
La nueva Galería consta de tres espacios. El espacio #1 – galería, es la sala principal, en la que se mostraran los proyectos de artistas que trabajan con nosotros y de aquellos que seleccionamos para exposiciones puntuales. El espacio #2 - escaparate, es un escaparate de grandes dimensiones en el que mostraremos trabajos de jóvenes artistas invitados. Y finalmente, el espacio #3 – ventana: colección invitada, donde expondremos piezas cedidas por coleccionistas privados que guarden relación con los trabajos expuestos en los otros dos espacios.
La principal intención es crear un dialogo entre todos los trabajos mostrados en los diferentes espacios.
Para ésta ocasión, en el espacio #1 – galería, mostraremos el trabajo de la artista croata Sanja Ivekovic, con el titulo “Invisible Women”. En el espacio #2 – escaparate, mostraremos “Lista de costos, 2013” un proyecto diseñado para la ocasión por la artista sevillana Inmaculada Salinas. Y en el espacio #3 – ventana: colección invitada, mostraremos un único trabajo cedido por una colección privada.
Con motivo de la inauguración, hemos organizado una mesa redonda entre las dos artistas y Nuria Enguita (18,30h). Tras esta conversación, se abrirá la galería para todos los que quieran acudir (20,00h.); y ya por la noche (00,30h.), hemos organizado una fiesta en el Excuse me? Club, amenizada con la actuación de Elvisa & La Diva, y por dj Casius Tonen (adjuntamos programa de actividades).
Para espaivisor sería un placer contar con vuestra presencia, ya que desde nuestros comienzos hemos sentido vuestro apoyo y os estamos muy agradecidos.
Nos gustaría celebrar con vosotros el comienzo de esta nueva etapa.
Un fuerte abrazo y seguimos en contacto.
Saludos.
Miriam Lozano
Mira Bernabeu
Finally the day has arrived!
espaivisor - Galería Visor opens the doors of it's new space the next june 29th, that's why we would like to invite you to spend that special day with us.
Down this you will find the program.
nueva dirección:
c/carrasquer, 2
46001, valencia
tlf: 96 392 23 99 / 628 88 12 45
info@espaivisor.com
La nueva Galería consta de tres espacios. El espacio #1 – galería, es la sala principal, en la que se mostraran los proyectos de artistas que trabajan con nosotros y de aquellos que seleccionamos para exposiciones puntuales. El espacio #2 - escaparate, es un escaparate de grandes dimensiones en el que mostraremos trabajos de jóvenes artistas invitados. Y finalmente, el espacio #3 – ventana: colección invitada, donde expondremos piezas cedidas por coleccionistas privados que guarden relación con los trabajos expuestos en los otros dos espacios.
La principal intención es crear un dialogo entre todos los trabajos mostrados en los diferentes espacios.
Para ésta ocasión, en el espacio #1 – galería, mostraremos el trabajo de la artista croata Sanja Ivekovic, con el titulo “Invisible Women”. En el espacio #2 – escaparate, mostraremos “Lista de costos, 2013” un proyecto diseñado para la ocasión por la artista sevillana Inmaculada Salinas. Y en el espacio #3 – ventana: colección invitada, mostraremos un único trabajo cedido por una colección privada.
Con motivo de la inauguración, hemos organizado una mesa redonda entre las dos artistas y Nuria Enguita (18,30h). Tras esta conversación, se abrirá la galería para todos los que quieran acudir (20,00h.); y ya por la noche (00,30h.), hemos organizado una fiesta en el Excuse me? Club, amenizada con la actuación de Elvisa & La Diva, y por dj Casius Tonen (adjuntamos programa de actividades).
Para espaivisor sería un placer contar con vuestra presencia, ya que desde nuestros comienzos hemos sentido vuestro apoyo y os estamos muy agradecidos.
Nos gustaría celebrar con vosotros el comienzo de esta nueva etapa.
Un fuerte abrazo y seguimos en contacto.
Saludos.
Miriam Lozano
Mira Bernabeu
Finally the day has arrived!
espaivisor - Galería Visor opens the doors of it's new space the next june 29th, that's why we would like to invite you to spend that special day with us.
Down this you will find the program.
nueva dirección:
c/carrasquer, 2
46001, valencia
tlf: 96 392 23 99 / 628 88 12 45
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Humberto Rivas
WORKS: 1978 - 2007
13 septiembre – 1 noviembre 2013 / 13th September – 1st November 2013
Inauguración: viernes 13 de septiembre 2013, 20,00 h.
Opening: Friday September 13th, 2013, 20,00 h.
espacio #1 – galería / space #1 – gallery:
Humberto Rivas: WORKS: 1978 - 2007
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Jaume Albert: RATÓN SALVAJE
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espacio #1 – galería / space #1 – Gallery:
Humberto Rivas: WORKS: 1978 - 2007
UNA VIDA DEDICADA A LA FOTOGRAFÍA
Humberto Rivas nació en Buenos Aires en 1937. Desde 1976 y hasta su muerte en 2009 vivió y trabajó como fotógrafo y pedagogo en Barcelona.
Orígenes
Humberto Rivas era nieto de inmigrantes italianos y portugueses (aprendió la lengua lusitana de su abuela portuguesa, lavandera de profesión) e hijo de obreros textiles, oficio que él mismo practicó a los trece años, mientras los fines de semana se entrenaba con su padre para ser ciclista de circuito. Cumplidos los diecisiete, inició un curso de dibujo por correspondencia y vendió la bicicleta de carrera para comprarse un caballete de pintor. Un año después entró a trabajar como aprendiz en una agencia de publicidad y pudo comprarse la primera cámara fotográfica, una Argus de 35 mm con óptica fija. En 1959 compraría la Rolleiflex 6 x 6 que le permitía asumir mayores retos.
En 1958 realizó su primera exposición de dibujos y pinturas en la Galería Lirolay y al año siguiente celebró su primera muestra de fotografías en la Galería Galatea. En 1962 el diseñador y escultor Juan Carlos Distéfano, entonces director del departamento de diseño del Instituto Torcuato Di Tella de Buenos Aires, le invitó a dirigir el departamento de fotografía del legendario centro de arte contemporáneo. A lo largo los años sesenta y setenta muchas de las personalidades creativas de Argentina desfilarían por ese centro, y fueron captadas por la implacable cámara de Rivas, influenciada en aquel momento por Richard Avedon y Diane Arbus.
Como ejemplos de este periodo están los retratos del artista argentino Roberto Aizenberg realizados en 1967 en un vertedero de basura en Buenos Aires y un retrato de Jorge Luis Borges de 1972. Juan Carlos Distéfano, Roberto Páez, Rubén Fontana, La Polaca y el Grupo Lobo son otros destacados personajes del ámbito cultural bonaerense retratados por Rivas en aquellos años.
Este entrenamiento permitió a Rivas desarrollar su propia estética, orientada a descubrir el lado oculto de la persona retratada. Más adelante empezó a introducir en su obra el misterio de las identidades y la poética del silencio y de la ausencia. La estrecha amistad que durante esos años y hasta su muerte mantuvo con el fotógrafo Anatole Saderman, al que consideraba su maestro, sería trascendental en su evolución como fotógrafo.
Rivas sentía pasión por el cine, en especial por el del director Ingmar Bergman, y admiraba a Sven Nykvist, iluminador de las películas del director sueco, por su tratamiento de la luz.
Durante el año 1974 realizó por segunda vez un recorrido por el norte de Argentina. Fruto de este viaje es la carpeta titulada «Norte» con fotografías de gentes y de paisajes de Tucumán, Salta y Jujuy. En este trabajo se apuntan los temas y maneras de hacer que desarrollará a lo largo de su carrera.
Barcelona
En el año 1976 cuando sobrevino el golpe militar en Argentina y se implantó el terrorismo de estado, Rivas, que no toleraba la violencia, se trasladó a vivir a Barcelona con su familia, apoyado por el artista América Sánchez que ya residía en la ciudad. Su llegada procedente de Buenos Aires en febrero de 1976 fue significativa para el medio cultural de la ciudad condal, y el impacto que causó su obra aglutinó a todos aquellos que deseaban valorizar la fotografía creativa, que en aquellos momentos se encontraba en una situación de marginalidad respecto de otras disciplinas artísticas. En 1982 participó activamente en el lanzamiento de la primera edición de la Primavera Fotográfica de Barcelona, acontecimiento pionero en España que renovó los conceptos y parámetros del arte contemporáneo situando la fotografía a la cabeza del mismo.
La labor creativa de Rivas fue paralela a la pedagógica. Tomó contacto con las nuevas generaciones de jóvenes fotógrafos y fotógrafas que sentían el estímulo que les brindaba su obra y su experiencia, y a su alrededor surgieron grupos dinámicos y creativos que encontraron en el autor un espíritu receptivo y estricto y lo consideraban un maestro de la fotografía pura.
Rivas prosiguió su trabajo de retratista en Barcelona y recibió el encargo de retratar a personalidades relevantes de Cataluña, como Joan Miró, Josep Tarradellas, Frederica Montseny, Charlie Rivel, J. V. Foix, Salvador Espriu, Joan Brossa y Antoni Tàpies.
Humberto Rivas vivía el retrato como un desafío; para él suponía el reto de conseguir plasmar su propia visión traspasando la imagen estereotipada con la que el modelo se presentaba en su estudio.
Paralelamente, y cada vez con mayor intensidad, exploró el tema del paisaje, sobre todo el urbano, y durante los años setenta y ochenta enunció una poética intensa del paso del tiempo y del tratamiento de la luz que, sumada a la precisión técnica necesaria, convertirían sus paisajes en iconos del arte contemporáneo.
Rivas también abordó otros temas, como la naturaleza muerta de flores marchitas o de objetos aislados que yacen abandonados en el espacio y el tiempo. El tratamiento de estas imágenes refleja su admiración por la pintura de Rembrandt y Durero, así como por los bodegones de Francisco de Zurbarán.
En el año 1994 el festival fotográfico de Arles le invita a realizar un audiovisual sobre Jorge Luis Borges en el que Rivas interpreta al escritor a través de cien diapositivas, algunas de ellas tomadas en el cementerio de la Recoleta de Buenos Aires. En su madurez profundiza en la obra del poeta Fernando Pessoa, tomando como eje de su pensamiento creativo su poesía y el Libro del desasosiego. También destaca su admiración por la obra de Marcel Proust En busca del tiempo perdido.
Desde joven le había llamado la atención el espíritu de la Guerra Civil española y en 1999 expresó creativamente este interés, materializándolo en las imágenes que tomó de los rastros dejados por la contienda. En «Huellas de la Guerra Civil española» el artista nos muestra las señales de un tiempo pasado que se registran en el presente, documentando su repercusión en aquello que nos rodea. De esta forma consigue transmitir lo invisible con sutileza, nos habla en silencio a través de rostros, muros, casas, paisajes que, pese a haber sobrevivido a la tragedia que hoy aparece lejana, todavía conservan vestigios de dolor y constituyen una parte de la historia muda de España. Belchite, Corbera d’Ebre, Figueres y Lleida son algunos de los escenarios de las fotografías.
En su texto de presentación de esta serie titulado «Huellas que nos miran» escribe la filósofa Nelly Schnaith: «Mucho se ha dicho sobre las estrechas relaciones que la fotografía mantiene con la muerte. El clic de la cámara ejecuta porque inmoviliza las coordenadas mismas de la vida, el devenir en el tiempo y el espacio. Las fotos de esta muestra cuyo tema es la propia muerte producen, extrañamente, el efecto contrario: al dar muerte a la muerte dan vida a lo muerto. Esas imágenes que son a medias testimonio y documento crean también una escena de ficción, iluminan un espacio imaginario que aumenta la veracidad del documento y lo preserva para el porvenir, cuando la memoria de esos seres modestos, de esos paisajes pobres y despojados no tenga ya ni siquiera el apoyo material de sus huellas. Cuando la historia y el delirio urbanístico los hayan borrado de hecho, sin restos ni huellas, las fotos de Rivas nos mirarán por ellos demostrando lo que, sin saber, debían presentir en su fuero íntimo: nuestra memoria es más importante y de más largo aliento que nosotros.»
Estas fotografías inciden directamente en la consciencia de los espectadores con la intención de que tomemos en cuenta el sufrimiento que generan ésta y todas las guerras. Esta obra, de contenido ético y crítico, es un testimonio antibélico y una denuncia de la violencia en general; la serie completa comprende 56 fotografías.
Humberto Rivas, conocedor de la historia del arte, era un gran admirador de Goya y de sus «Desastres de la guerra».
Su trayectoria artística fue mostrada en una exposición antológica en 2006 celebrada en el Museu Nacional d’Art de Catalunya de Barcelona.
En sus últimas fotografías, realizadas entre el 2000 y el 2005, Humberto Rivas acentuaba los matices del negro y demostraba su dominio del claroscuro en obras de gran esencialidad. El artista concluyó su actividad como fotógrafo con trabajos en que lo primordial y lo sutil establecen un diálogo. Algunas de estas imágenes están reproducidas en el catálogo Iluminar, su última muestra individual celebrada en 2008.
Su obra figura en importantes colecciones nacionales e internacionales y se han publicado numerosos libros sobre su trabajo.
En 1997 el Ayuntamiento de Barcelona le concedió el Premio de Artes Plásticas Ciudad de Barcelona. En 1998 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía, otorgado por el Ministerio de Cultura español. En 1999 recibió en Argentina el Premio Konex. En 2009 el Ayuntamiento de Barcelona le otorgó la Medalla de Oro al Mérito Artístico. Murió el 6 de noviembre de 2009 en Barcelona.
HUMBERTO RIVAS
LA DESNUDEZ ORIGINAL por Marta Gili
“Cuando la mujer vio que el árbol era el bueno para comer, y que era agradable a los ojos, y que el árbol era deseable para alcanzar sabiduría, tomó de su fruto y comió; y dio también a su marido que estaba con ella, y él comió. Entonces fueron abiertos los ojos de ambos, y conocieron que estaban desnudos; y cosieron hojas de higuera y se hicieron delantales.” (Génesis 3, 6-7)
Tal vez esta historia sea la más bella y poética que jamás se haya escrito sobre el origen del conocimiento. Sin entrar en cuestiones de credo religioso, siempre me pareció conmovedor que Adán y Eva se avergonzaran más por su desnudez que por haber desacatado la prohibición divina. Como el adolescente, el día que descubre con turbación que su cuerpo ya no es el mismo que engendró su madre y los esconde celosamente de su mirada, así Adán y Eva inauguraron, en esta historia, la era de la conciencia.
Escribía Paul Valéry que “los hombres se distinguen por lo que muestran y se parecen por lo que ocultan”. La mayor parte de nuestra existencia la consagramos a forjar un tipo de máscara propia y exclusiva, con el propósito de ocultar esa desnudez primigenia que nos hermana y que nos recuerda que no somos seres eternos.
Con este nuevo artilugio, la fotografía, clasificamos, archivamos y registramos todo el mundo, desafiando las nociones de distancia y espacio. Y así, sin darnos cuenta, trasladamos al papel fotográfico nuestros recuerdos y nuestra memoria. Y no es necesario experimentar para ver, ni observar para saber. Esta vez nos postramos nuevamente ante esa atávica contemplación estética del mundo, y creemos a pies juntillas que aquello que muestra la fotografía es la realidad. Sin embargo, hay otro tipo de imágenes que turban y desconciertan por su gran carga de ambigüedad. Son fotografías que atrapan la mirada, que la secuestran sin compasión, que no apelan a la memoria, ni al registro; que no dan respuestas, sino que interrogan. Y las imágenes de Humberto Rivas pertenecen a esta última categoría.
Para mi, todas las fotografías de Humberto Rivas son “desnudos”. No importa si lo que la fotografía representa es una calle, un rostro o un paisaje. Todas son en realidad una misma imagen, sobria y penetrante. Lo único que cambia en ellas es la apariencia de lo fotografiado, pero se mantiene lo oculto, el ser original desprovisto de forma y vanidad.
Humberto Rivas retrata, precisamente porque el retrato pone en relación dos individualidades en una misma intimidad. Los edificios, las calles o las paredes que fotografía Humberto muestran su vida quieta. Son soledades que acompañan al fotógrafo, del mismo modo que lo retratos de María, Lucía o Violeta La Burra. En ellas lo animado y lo inanimado se hermanan de nuevo en ese abrazo arquetípico, cuya existencia intuimos muchos en el principio de las cosas. Nuestra frenética obsesión por definir la “esencia” o la “naturaleza” de lo humano y por erigirnos en los seres superiores del universo rompió para siempre este hechizo amoroso.
Alguien dijo que la fotografía no puede traspasar la superficie de la piel y que precisamente en ello radica su grandeza. Y puede que así sea. De todos modos, no siempre la verdad puede mostrarse tal cual es. Hay que sugerirla, realizar un gesto simple que la insinúe. Es esta la estrategia mediante la cual Humberto Rivas nos descubre su secreto peor guardado. Con un leve gesto, con una presencia sutil, Humberto Rivas se presenta también así mismo a través de sus imágenes. Él es todo a la vez, una cara misteriosa, un rincón solitario o un mar embravecido.
Muchas veces me imagino a Humberto fotografiando el amanecer. Cuando las cosas todavía no se han vestido para presentarse al mundo, y el sueño hace más fácil atravesar los muros de nuestra piel. Entonces, entre dos luces, me figuro a Humberto respirando profundamente y descubriendo que él no es otra cosa que “un sueño dentro de otro” –como diría E. A. Poe-, y que, de tanto buscar el alma ajena, encontró la suya propia.
Cuando Humberto Rivas llegó a Barcelona en 1976, dejando atrás (pero jamás olvidando) su Buenos Aires natal, ya era un fotógrafo reconocido en su país. Con esa discreción personal que le caracteriza, pronto se convirtió en un punto de referencia indiscutible también para la fotografía española. Paciente y entrañable, muchos de los fotógrafos de las jóvenes generaciones han encontrado en él a un gran maestro y consejero.
Su coherencia a la hora de promulgar una determinada manera de entender la fotografía no se debilitó, incluso en un país como España donde tardaba mucho en verse legitimada artísticamente. Pero su tenacidad y constancia dieron sus frutos, y 1997 fue especialmente alentador. Recibió ese mismo año dos premios emblemáticos: el Premio de Artes Plásticas de la Ciudad de Barcelona y el Premio Nacional de Fotografía.
No dejarse llevar por la corriente es, a todas luces, una de sus grandes virtudes. Como en el famoso cuento de Hans Christian Andersen, El traje nuevo del emperador. Se trata de la historia de un vanidoso emperador cuya única preocupación era mostrarse elegante y refinado ante su pueblo. Un día dos tunantes se presentaron en la corte y le juraron que ellos eran capaces de confeccionarle el traje más bello y singular que jamás hubiera existido. La peculiaridad de este traje, decían los supuestos sastres, era que los estúpidos o incompetentes no podían verlo. Una vez lista la vestimenta, el emperador se paseó por su reino convencido de que, aunque el fuera incapaz de verlo, sus súbditos admirarían su elegancia. Ningún ministro de su corte se atrevió a reconocer que no veía el color ni la hechura de tan magna indumentaria, por miedo a parecer insensatos a los ojos de todos. Finalmente, un niño que pasaba por allí y que todavía no entendía la doblez de los adultos, exclamó a voz en grito: “¡El emperador está desnudo!”.
Sólo una mirada honesta como la de Humberto Rivas puede advertirnos, como el niño del cuento de Andersen, que las cosas no son lo que parecen y que las numerosas estrategias de camuflaje que nos forjamos ante la vida nos alejan más aún de nosotros mismos y del resto del universo. Ante estas imágenes uno tiene que deshacerse de la consciencia por un momento y procurar aproximarse lo más posible al fundamento de la vida, a la desnudez original. Y, aunque sólo sea por unos instantes, actuar con el corazón. Porque, como escribía otra vez Pessoa, “El corazón, si pudiese pensar, se pararía”.
Barcelona, 1998
Exposiciones individuales
1959 Galería Galatea, Buenos Aires. (Ar).1960 Galería MEEBA, Buenos Aires. (Ar). Galería Galatea, Buenos Aires. (Ar).1962 Galería Lirolay, Buenos Aires. (Ar). Galería Galatea, Buenos Aires. (Ar).1964 Galería Lirolay, Buenos Aires. (Ar).1968 Museo de Bellas Artes, La Plata. (Ar).1975 Galería Arte Múltiple, Buenos Aires. (Ar).1976 Museo de Bellas Artes, Olavarría. (Ar).1979 Galería Fotomania, Barcelona. (Es). 1980 Museo de Arte Contemporáneo, Mar del Plata. (Ar). Galeria Fotokit, Vitoria. (Es).1981 Galería ARPA, Burdeos. (Fr). Galería Arte Múltiple, Buenos Aires. (Ar). Museo de Arte Moderno, Buenos Aires. (Ar). 1982 Canon Photo Gallery, Ámsterdam. (NL). Galería Forum, Tarragona. (Es). Galeria Fuji. Sao Paulo. (Br). 1983 Forum Stadtpark, Graz, (Austria). Galería Spectrum Canon, Zaragoza. (Es). Galería Agathe Gaillard, París. (Fr).1984 Galería El Setze, Martorell. (Es). Galería Image, Madrid. (Es). Museo de la Ciudad de Córdoba, Córdoba (Ar). 1985 Museo de la Ciudad de Córdoba, Córdoba. (Ar). Galería Guadalquivir, Sevilla. (Es).1986 Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires. (Ar).1987 Galería Omega, La Plata, (Ar).1988 Centro Cultural Ciudad de Buenos Aires (CCCBA). (Ar). Galería nueva imagen, Pamplona. (Es).1990 Mois de la Photo, Reims. (Fr).1991 Sala Arcs, Fundació Caixa de Barcelona, Barcelona. (Es). Galerie Contratype, Bruselas. (Be). Museo de Arte y Costumbres populares. Pabellón Mudéjar. Sevilla.(Es). Sala de la Caixa de Pensions, Granollers. Barcelona. (Es). Bienal Internacional de Fotografía, Tenerife. ( Es).1992 Galerie Perspectief, Rotterdam. (NL). Sala de la Caixa de Pensions, Girona. (Es). Sala Casa de Cultura, Las Palmas de Gran Canaria.(Es). «Humberto Rivas fotografías» Bilbao Bizcaia Kutxa, Bilbao. (Es). 1993 «Encontros da Imagem» Braga. (Pt). Rencontres internationales de la photographie Arles, abadía de Montmajour. Arles. (Fr).1994 Galería Antonio de Barnola, Barcelona. ( Es).1995 Sala de Exposiciones, Universidad de Salamanca. Salamanca. ( Es). Centro Cultural San Martín. Buenos Aires. (Ar). Musée des beaux-arts de Montréal, Montréal. Québec. (Ca).1996 IVAM - Centre Julio González. Valencia. (Es). Galería Antonio de Barnola. Barcelona. (Es). Escuela de Arte. Huesca. (Es).1997 Caja de Burgos. Burgos. (Es). Caja Canarias, Tenerife ( Es). Sala de Arte de la Caja General de Ahorros de Canarias. Puerto de la Cruz. (Es). 1998 Galería Marlborough, Madrid. (Es). Photoespaña, Torre Caja Madrid, Madrid. (Es). Caja Madrid, Barcelona.(Es).Caja Cantabria-Obra Social y Cultural, Santander.(Es).1999 Sala Millares. Ministerio de Educación y Cultura, Madrid. (Es). Centro Galego de Arte Contemporáneo CGAC. Santiago de Compostela. (Es). Galería Antonio de Barnola, Barcelona. (Es). Tinglado 1 del Moll de Costa. Tarragona. (Es). 2000 Sala Capitular del Claustre del Reial Monestir de Sant Cugat del Vallès. Barcelona. (Es). Instituto Cervantes, Lisboa. (Pt). «Paisajes», Sala Bancaja Abadía, Castellón. (Es). Centre Cultural de la Mercè, Girona. (Es). 2001 Fundación Federico Jorge Klemm, Buenos Aires. (Ar). 2002 Espai Guinovart, Agramunt. Lleida. (Es). Sala Rivadavia, Fundación Provincial de Cultura de la Diputación de Cádiz, Cádiz. (Es). Embajada de la República Argentina, Madrid. (Es). Capilla de Sant Corneli, Cardedeu . Barcelona. (Es).2003 Centre Cultural Sa Nostra. itinerància: Palma de Mallorca, Maó, Ciutadella, y Eivissa. (Es). Monasterio de Sant Cugat del Vallès, Sant Cugat del Vallès. (Es).2004 Fundación Niebla, Casavells. Girona. (Es). Sede Fundación Astroc. Madrid. (Es). Centro Galego de Arte Contemporánea. CGAC. Santiago de Compostela. (Es). 2005 Galería Palma XII, Vilafranca del Penedès, Barcelona. (Es). Espacio Alliance Française de Sabadell, Sabadell . (Es). The J.Paul Getty Museum. Los Angeles. Erna. (U.S.)2006 Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona. (Es). 2007 «Huellas», Museu Morera, Lleida. Itinerante: Museu Joan Abelló, Mollet del Vallès; Museu Tomàs Balvey, Cardedeu; Can Sisteré, Santa Coloma de Gramenet (Barcelona); Centre Cultural de la Mercé, Girona; 2008: Sala d’exposicions, Castellbisbal, Barcelona; Centre d’Art Can Castells, Sant Boi de Llobregat, Barcelona; Centro Cultural Blanquerna, Madrid; Centre de Cultura, Ripollet; Centro Andaluz de Fotografía, Almería. (Es). Galería Michel Soskine, Madrid. (Es).2008 «Iluminar» Galería Hartmann, Barcelona. (Es). Galerie Brun Léglise, París. (Fr).2010 « Inéditos y Vintage» Galería Michel Soskine, Madrid. (Es).2012 Galerie Brun Léglise, París. (Fr). «Compromís Creatiu» Museu de Granollers.(Es).
Exposiciones Colectivas
1960 Galería Galatea, Buenos Aires. (Ar)1969 «Art Jeune», Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. (Fr).1977 «Fotógrafos argentinos», Spectrum Canon, Barcelona. (Es).1979 «Incontri di fotografia», Prato. (It). «Una mirada Española» Galeria Fotomanía, Barcelona. (Es). Musée de Beaux Arts. Musée Bonnat. Bordeaux. (Fr).1980 «Spanish Photography», The Night Gallery, Londres. Itinerante: The Photographic Gallery, Cardiff; Open Eye Gallery, Liverpool. (GB). «Homenatge a Man Ray», Galería Eude, Barcelona. (Es). 1981 «Fotografía española contempóranea» 2ºColoquio Latinoamericano de Fotografía. México DF. (Mx). «Fotografie Lateinamerika, von 1860 bis Heute», Kunsthaus, Zúrich. (Suiza). Galerie Canon, Ginebra. (CH). Galerie Trépied, Ginebra. (CH). «Vida argentina en fotos» Centro Cultural de Buenos Aires. Museo de Arte Moderno. (Ar). 1982 Galerie FNAC, París. (Fr). «I fotografi spagnoli» Assessorato alla Cultura del Comune di Termoli. (It). «Fotografia Contemporània a Catalunya» Primavera Fotográfica, Generalitat de Catalunya, Barcelona (Es). Galeria Fuji. San Paulo. (Br).1983 Nikon Gallery, Zúrich. (CH). «L’Architecture: Sujet, Objet ou Prétexte?», Musée Bonnat, Galerie des Beaux-Arts. Itinerància: Agen, Bayonne, Bordeaux, Lot-et-Garonne. (Fr). «Photographes catalans», Musée des Beaux-Arts, Perpiñán. (Fr). «European Portraiture», Northlight Gallery, Arizona. (U.S) «Fotografía actual en España», Círculo de Bellas Artes, Madrid. (Es). Cercle Cultural de la Caixa de Pensions. Granollers. (Es). «Fotografía Europea Contemporánea», Milano.(It)1984 «Jornades fotogràfiques de València», Sala Parpalló, Valencia. (Es). Primavera Fotogràfica, Galería Ciento, Barcelona. (Es). «Humberto Rivas. Su obra fotográfica», Museo de la Ciudad de Córdoba. (Es). Museo de la Ciudad de Córdoba. (Ar).1985 «Fotógrafos actuales españoles», Sala de Exposiciones El Monte. Sevilla. (Es). «Retratos», Diámetro 77, Barcelona. (Es). «La Albufera. Visió tangencial», Caixa de Pensions, Valencia. (Es). «La ciutat fantasma», Fundació Joan Miró, Barcelona. (Es). «Semana Internacional de la Fotografía» SIF 85. Palacio de los Duques del Infantado, Guadalajara. (Es). «L’Oeil Permanent», Nantes. (Fr). «Mois de la Photo» Paris. (Fr). «Visiones de una colección- Gabriel Cualladó» Sala Barquillo. Madrid. (Es).1986 «Contemporary Spanish Photography», University Art Museum of New Mexico, Albuquerque. (Mx). «Le portrait», Galerie Les Somnambules, Toulouse. (Fr).«Beaux-Sinestre», Galerie Forum, Arles. (Fr). «La Nouvelle Photographie Catalane», Douarnenez. (Fr). Galerie Perspectief, Rotterdam. (NL). «Photographes Latino-Americains en Europe» Maison de l’Amérique Latine. Mois de la Photo. París. (Fr). «Lo bello y lo siniestro», Sala Arcs, Fundación Caixa de Barcelona. Barcelona.(Es). 1987 Marcus Pfeiffer Gallery, Nueva York. (U.S.). «Retratistas», Sala Arcs, Fundación Caixa. Barcelona. (Es). «Corps et âme», Arles. (Fr). «Tarraco, objecte i imatge: onze fotògrafs al Museu Nacional Arqueològic de Tarragona», Museu Nacional Arqueològic, Tarragona. (Es). «Nueva imagen» Fotogalería. (Es). «Échos d’Espagne» Vieille Eglise, Fondation Charles-Cante. Mairie de Mérignac. (Fr). «10 años de imágenes 1977-1987» Galeria Spectrum, Zaragoza. (Es). 1988 «Het Portet» Canon Image Center/Pulitzer Art Gallery/Hotel, Àmsterdam. (NL). «12 años», Centro Cultural Ciudad de Buenos Aires. (Ar). «Splendeurs et misères du corps», Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. (Fr). «Diez ejemplos de la fotografía de autor en España», Fotoporto ’88, Casa de Serralves, Oporto. (Pt). 1989 «Creació fotográfica a Espanya 1968-1988», Generalitat de Catalunya. Departament de Cultura. Barcelona. (Es.) 1990 «To be and not to be», Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona. (Es). Festival de Teatro y Danza de Aviñón, Aviñón. (Fr).1991 «Open Spain», The Museum of Contemporary Photography, Chicago. (U.S.). «L’autre monde», 22è Rencontres internationales de la photographie, Arles. (Fr.). «Cuatro direcciones», Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. (Es). «40D8: 40 Imatges de 8 fògrafs» Centre Cultural de L’Hospitalet. L’Hospitalet del Llobregat. (Es). «Catalogo General 1991» Fotonoviembre. Bienal Internacional. Cabildo Insular de Tenerife. (Es). «Retratos. III Mostra Fotografica» Lugo. (Es). 1992 Museo Provincial de Lugo, Lugo. (Es). Derby Photography Festival, Derby. (GB). «musa museu», La Virreina. Barcelona. (Es). «40 Edición Salón Internacional de Fotografía» Caja de Ahorros de Asturias, Gijón. (Es). Palacio Revillagigedo. Centro Internacional de Arte. 40 salón Internacional de Fotografía. Gijón (Es).1993 «Fotografía latinoamericana», Casa de América, Madrid. (Es). «Encontras da imagen ACFA», Braga. (Pt.) «Imatges escollides» La Col.lecció Gabriel Cualladó, IVAM, València. (Es). «Jardins do Paraiso» Galeria do Museu Antropologico da Universidad de Coimbra (Pt).1994 Mois de la Photo, Reims. (Fr). «Spanish Photography», Londres. (GB). «Alegoría de la fotografía», Galería Alejandro Sales, Barcelona. (Es). «Barcelona a vol d’artista», Centre de Cultura Contemporània de Barcelona. (Es). «Il ruolo della critica», Galeria Civica di Modena, Modena. (It). «Itenerarios de Fronteira», Encontros de Fotografía, Coimbra. (Pt). «One Hundred Years of Photography in Argentina», Queens College Art Center, Nueva York. (U.S.) «XIII Salón Nacional de Artes Plàsticas» Fotografía. Ayuntamiento de Alcobendas. (Es). Espai Visor–Galeria Visor, I jornades fotogràfiques a València. (Es). 1995 «Alfandega Nova», Museu dos Transportes e Comunicações, Oporto. (Pt). «La poesía de los sentidos», Sala de Exposiciones de Caja Canarias, Santa Cruz de Tenerife. (Es). «Paysages, lieux et non-lieux. Le paysage dans la photographie européene contemporaine», Galería Tutesall, Luxemburgo (Lu). «El cuerpo y la memoria», Canal de Isabel II, Madrid. (Es). «Jardins do Paraiso» Coimbra. (Pt). «Sous l’emprise de la fascination» Maison de la Culture Côte-des-Neiges. Le Mois de la Photo. Montreal. (Ca). «Luz y Tiempo» Colección Fundacion Televisa. Mexico DF. (Mx)1996 «Lleida Panorama», Colegio de Arquitectos, Lleida. (Es). «Imatges. Fotografia catalana» Centre d’Art Santa Mònica. Barcelona. (Es). Itinerancia; Montreal Arts Intercultural Centre. Montreal. (Ca) «Colección fotografía Ordoñez Falcón» IVAM, Centre Julio González. Valencia. (Es). «Nu, tout simplement» La Galerie 3,14. Laon France. (Fr). «La colección Fotogràfica del IVAM» Centro Cultural Casa del Cordón, Burgos. (Es). «Encontros da Imagen» Oporto. (Pt). «Retratos. Fotografia Española 1848-1995» Fundacio Caixa de Catalunya. Barcelona. (Es).1997 «Collection d’oeuvres photographiques» 13Quai Voltaire, Paris. (Fr) «La otra orilla», Casa de América, Madrid. (Es). «100 anni di fotografía» Palazzo Bragatti Valsecchi di Milano. (It). «Col.leccions particulars» Museu D’Art Modern Tarragona. (Es). «Autoportrait» Galerie Municipal du Château d’Eau, Toulouse. (Fr). «Contra viento y marea» Escuela de Artes. Zaragoza. (Es). «Travestismo e identidad en el arte» Koldo Mitxelena. San Sebastian. (Es). «XVI Salón Nacional de Artes Plásticas» Fotografía. Ayuntamiento de Alcobendas. (Es). 1998 «Pasaje de ida», Galería Antonio Barnola, Barcelona. (Es). «Colección Fotográfica del Museo Nacional de Bellas Artes» MNBA. Buenos Aires. (Ar). 1999 «Arte Fotográfico Argentino» Colección Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. MAMBA. (Ar). Galería Alter Ego, Barcelona. (Es). «Propuesta 99. Fotografía española contemporánea», Ministerio de Educación y Cultura, Madrid. (Es).«Imago 99», Encuentros de Fotografía y Vídeo. Centro de Fotografía y Video. Universitat de Salamanca. (Es). IVAM Centro Julio González, Valencia. (Es). Museo Nacional de Buenos Aires. (Ar).2000 «España Ayer y Hoy» Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. (Es). «Una mirada española». Instituto Cervantes. Roma. (It). «Álbum de Barcelona». Galería Llucià Homs, Barcelona. (Es). «Fotografia en Cataluña 1900- 1999» Centro Cultural Conde Duque. Madrid. (Es). «Fet Aquí Mostra d’Art Llatinoamericà Contemporani» Casa Castellarnau. Ajuntament de Tarragona. (Es). «7x7x7» Sala Rekalde. Bilbao. (Es). PHE00 Festival Internacional de Fotografía. Madrid. (Es). 2001 Museo Civichi. Monza. (It). «Becarios Endesa 5», Museo de Teruel, Teruel. (Es). «7x7x7» Fundación Telefónica Madrid. (Es). «Géneros y Tendencias» Colección Ayuntamiento Alcobendas. Alcobendas. (Es)2001- 2002 «Antoni Gaudí: una visión poliédrica», La Pedrera, Casa Batlló, i Instituto Cervantes, Roma. Itinerante: Milán, Luxemburgo, Moscú, Múnich, Madrid y Nueva York. «Fragments» Museu de la Universitat d’Alacant (MUA). (Es). 2002 «Homenaje a Gaudí», Círculo del Arte, Barcelona. (Es). «Corpus Christi», The Israel Museum, Jerusalén. Centre Experimental de les Arts, Vallgrassa, Parc del Garraf. Barcelona. (Es). «Extranjeros. Los otros artistas españoles» Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente. Segovia. (Es). «Espejos de la Imagen. Una historia del retrato en España 1900-2000» Explorafoto. Festival de Fotografía. Salamanca. (Es). Caja Duero. Salamanca. (Es). Fundación Fotocolectania Barcelona. (Es). «Monumentos Futuros Esperia» Col.legi d’Arquitectes de Catalunya. Barcelona. (Es).2003 «Punto de Encuentro» La Colección (I) Centro de Arte Caja de Burgos (CAB), Burgos. (Es). «La mirada transeúnte». Colección BH&R. Fotografia Española Contemporánea. Madrid (Es). Palacio de la Alfajería. Zaragoza. (Es.) «El Otro, Yo» Fundación COFF. Sala Zapatería, Pamplona. (Es.)2004 «Vacuum», Galería Antonio de Barnola, Barcelona. (Es). «Breves como fotos. El retrato en la Fundación Televisa en Mexico» Fundación FotoColectania. Barcelona. (Es). 2005 Galería Palma XII, Vilafranca del Penedès. (Es). «Buenos Aires Buenos Aires» Centro de Arte Moderno. PHotoEspaña PHE05. Madrid. (Es). «Sujeto» Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC). León. (Es). «Córdoba: retrato de una ciudad» Fundación Rafael Botí. Córdoba. (Es). Alliance Française. Casa Taulé, Sabadell. (Es). «Mensajes Cruzados» Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo (ARTIUM), Vitoria. (Es). 2006 «Entornos» La Colección (6) Caja de Burgos. (Es).2007 «Vidas privadas», Colección Foto Colectania. Sede Fundación Astroc. Madrid. (Es). 2008 «De lo humano. Fotografia internacional 1950-2000» Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Sevilla. (Es).«Mapas del sujeto», Bienal de Fotografía. Córdoba. (Es), «15 años de fotografía española contemporánea: Géneros y tendencias», Colección Alcobendas, Madrid. (Es). Instituto Português de Museus. Palacio Nacional da Ajuda, Lisboa. (Pt). Itinerante: Embajada de Tokio. «Miradas arquitectòniques» IVAM Generalitat Valenciana. Valencia. (Es). «Arquitectes» Galeria Manel Majoral. Barcelona. (Es)2009 «La mirada en el otro». Conexiones Confrontaciones. Ministerio de Cultura. Madrid. (Es) Artetendencias, Pozuelo de Alarcón. Madrid. (Es). «El Arte de mar» Fundación Forvm. Tarragona. (Es). 2010 «El Arte de mar» Museu Comarcal de l’Urgell, Tàrrega. (Es). Arts Santa Mònica. Barcelona. (Es). «Arte español en la colección de IVAM» IVAM Generalitat Valenciana. Valencia. (Es).2011 «Fotografia Argentina colección Rabobank» Museo de Arte Moderno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. (Ar). «arte esencial» Coleccion Olor Visual.Casino de la Exposición, Ayuntamiento de Sevilla. (Es). 2012 «Centre Internacional de Fotografia de Barcelona» Museu d’Art Contemporàni de Barcelona. MACBA. (Es). «La mirada en el otro. Conexiones Confrontaciones» Galeria Narodna. Embajada de España en Liubliana. (Sl).
Colecciones
Bibliothèque Nationale de France, París. Caja de Burgos, Burgos. Canal de Isabel II, Madrid. Colección Pública de Fotografía del Ayuntamiento de Alcobendas. Centre de Cultura Contemporània de Barcelona. Colección Gabriel Cualladó, IVAM, Valencia. Colección Ordóñez-Falcón, IVAM, Valencia. Fons d’Art de la Fundació la Caixa, Barcelona. Fundación Cultural Televisa, México. Fundació Forvm, Tarragona. Institut Valencià d’Art Modern. Centre Julio González, IVAM, Valencia. Los Angeles County Museum of Art, LACMA, Los Angeles. Fundación Federico Klemm, Buenos Aires. Maison Européenne de la Photographie, París. Museo de Arte Contemporáneo, Mar del Plata, Argentina. Collection Caisse de depôts et consignations. Colección Anna Gamazo de Abelló. Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, MAMBA. Museo Nacional de Bellas Artes, MNBA, Buenos Aires. Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona. The Museum of Contemporary Photography, Chicago. Artium. Centro-Museo de Arte Contemporáneo, Vitoria. Colección Olor Visual. Fundación Foto Colectania. Colección Paraarte. Colección Hazan. Fundación Televisa, A.C. México, Fondo del Ministerio de la Comunidad de Madrid. Rabobank Group, Argentina. Colección Campanar, Valencia. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid. Fundación MAPFRE. Madrid.
Espacio #2 – escaparate / Space #2 – Showcase:
Jaume Albert: RATÓN SALVAJE
"Cuando era niño mi tía Ana siempre nos llevaba a mis primos y a mi a la feria que se montaba en Valencia cada navidad. Se instalaba a principios de diciembre y solo entonces sabíamos que la navidad ya había llegado. De los quince días que teníamos de vacaciones en el colegio, ese era sin duda uno de los mas especiales. Durante unas horas entrábamos en un mundo mágico y fascinante, alejado de la complejidad y consiguiente aburrimiento del mundo adulto, era un mundo que aparentemente podíamos controlar, en el que podíamos elegir, un mundo ficticio aunque concreto, del que no queríamos salir."
Ratón Salvaje es una serie de retratos de los trabajadores de la feria de atracciones tradicional. Fotografías posadas de los vendedores de las entradas que dan acceso a las atracciones, metidos en sus casetas mirando frontalmente a la cámara. Es una catalogación de las atracciones y de sus trabajadores que han dado su consentimiento para ser fotografiados. La principal idea que subyace en el trabajo es que tras un contexto de luz, color, fantasía y diversión hay una forma de vida precaria, sacrificada, dura y nómada. El título de la serie es el mismo que el de una de las atracciones.Si la mirada inocente de un niño es incapaz de ver mas allá del artefacto lumínico y sonoro que se despliega ante si, la mirada del adulto, a través de la fotografía, no puede pasar por alto ese otro lado mas oscuro y salvaje, el de sus trabajadores, los feriantes, “outsiders” que se instalan en sus caravanas durante un tiempo determinado en el centro o en las afueras de una ciudad, para después marcharse a otra.Aunque la feria ha sufrido la competencia de los grandes parques temáticos estilo “Disney”, en el sentido de tener que incrementar la espectacularización y tecnificación de las atracciones, ha conseguido sobrevivir gracias a un imaginario particular y propio, el de las tómbolas y la música infantil, la escopeta de feria y la noria, los coches de choque y los caballitos ponis....que mucho tiene que ver con la fascinación por lo anacrónico y lo retro tan de moda en estos tiempos. Y es que la feria se esfuerza por mantener ese toque tradicional y “vintage” que no pueden ni quieren ofrecer los parques temáticos, mas centrados en alcanzar la excelencia tecnológica y económica, estos son de hecho, la versión moderna de la feria de atracciones.La serie ha recibido recientemente el premio Galerías Jurado de la V edición de Incubarte y también ha sido finalista en el certamen Arte40 y en Descubrimientos de PhotoEspaña 2013, ambos en Madrid.
13 septiembre – 1 noviembre 2013 / 13th September – 1st November 2013
Inauguración: viernes 13 de septiembre 2013, 20,00 h.
Opening: Friday September 13th, 2013, 20,00 h.
espacio #1 – galería / space #1 – gallery:
Humberto Rivas: WORKS: 1978 - 2007
espacio #2 – escaparate / space #2 – Showcase:
Jaume Albert: RATÓN SALVAJE
espacio #3 - ventana colección invitada / space #3 – Guest Collection Window
espacio #1 – galería / space #1 – Gallery:
Humberto Rivas: WORKS: 1978 - 2007
UNA VIDA DEDICADA A LA FOTOGRAFÍA
Humberto Rivas nació en Buenos Aires en 1937. Desde 1976 y hasta su muerte en 2009 vivió y trabajó como fotógrafo y pedagogo en Barcelona.
Orígenes
Humberto Rivas era nieto de inmigrantes italianos y portugueses (aprendió la lengua lusitana de su abuela portuguesa, lavandera de profesión) e hijo de obreros textiles, oficio que él mismo practicó a los trece años, mientras los fines de semana se entrenaba con su padre para ser ciclista de circuito. Cumplidos los diecisiete, inició un curso de dibujo por correspondencia y vendió la bicicleta de carrera para comprarse un caballete de pintor. Un año después entró a trabajar como aprendiz en una agencia de publicidad y pudo comprarse la primera cámara fotográfica, una Argus de 35 mm con óptica fija. En 1959 compraría la Rolleiflex 6 x 6 que le permitía asumir mayores retos.
En 1958 realizó su primera exposición de dibujos y pinturas en la Galería Lirolay y al año siguiente celebró su primera muestra de fotografías en la Galería Galatea. En 1962 el diseñador y escultor Juan Carlos Distéfano, entonces director del departamento de diseño del Instituto Torcuato Di Tella de Buenos Aires, le invitó a dirigir el departamento de fotografía del legendario centro de arte contemporáneo. A lo largo los años sesenta y setenta muchas de las personalidades creativas de Argentina desfilarían por ese centro, y fueron captadas por la implacable cámara de Rivas, influenciada en aquel momento por Richard Avedon y Diane Arbus.
Como ejemplos de este periodo están los retratos del artista argentino Roberto Aizenberg realizados en 1967 en un vertedero de basura en Buenos Aires y un retrato de Jorge Luis Borges de 1972. Juan Carlos Distéfano, Roberto Páez, Rubén Fontana, La Polaca y el Grupo Lobo son otros destacados personajes del ámbito cultural bonaerense retratados por Rivas en aquellos años.
Este entrenamiento permitió a Rivas desarrollar su propia estética, orientada a descubrir el lado oculto de la persona retratada. Más adelante empezó a introducir en su obra el misterio de las identidades y la poética del silencio y de la ausencia. La estrecha amistad que durante esos años y hasta su muerte mantuvo con el fotógrafo Anatole Saderman, al que consideraba su maestro, sería trascendental en su evolución como fotógrafo.
Rivas sentía pasión por el cine, en especial por el del director Ingmar Bergman, y admiraba a Sven Nykvist, iluminador de las películas del director sueco, por su tratamiento de la luz.
Durante el año 1974 realizó por segunda vez un recorrido por el norte de Argentina. Fruto de este viaje es la carpeta titulada «Norte» con fotografías de gentes y de paisajes de Tucumán, Salta y Jujuy. En este trabajo se apuntan los temas y maneras de hacer que desarrollará a lo largo de su carrera.
Barcelona
En el año 1976 cuando sobrevino el golpe militar en Argentina y se implantó el terrorismo de estado, Rivas, que no toleraba la violencia, se trasladó a vivir a Barcelona con su familia, apoyado por el artista América Sánchez que ya residía en la ciudad. Su llegada procedente de Buenos Aires en febrero de 1976 fue significativa para el medio cultural de la ciudad condal, y el impacto que causó su obra aglutinó a todos aquellos que deseaban valorizar la fotografía creativa, que en aquellos momentos se encontraba en una situación de marginalidad respecto de otras disciplinas artísticas. En 1982 participó activamente en el lanzamiento de la primera edición de la Primavera Fotográfica de Barcelona, acontecimiento pionero en España que renovó los conceptos y parámetros del arte contemporáneo situando la fotografía a la cabeza del mismo.
La labor creativa de Rivas fue paralela a la pedagógica. Tomó contacto con las nuevas generaciones de jóvenes fotógrafos y fotógrafas que sentían el estímulo que les brindaba su obra y su experiencia, y a su alrededor surgieron grupos dinámicos y creativos que encontraron en el autor un espíritu receptivo y estricto y lo consideraban un maestro de la fotografía pura.
Rivas prosiguió su trabajo de retratista en Barcelona y recibió el encargo de retratar a personalidades relevantes de Cataluña, como Joan Miró, Josep Tarradellas, Frederica Montseny, Charlie Rivel, J. V. Foix, Salvador Espriu, Joan Brossa y Antoni Tàpies.
Humberto Rivas vivía el retrato como un desafío; para él suponía el reto de conseguir plasmar su propia visión traspasando la imagen estereotipada con la que el modelo se presentaba en su estudio.
Paralelamente, y cada vez con mayor intensidad, exploró el tema del paisaje, sobre todo el urbano, y durante los años setenta y ochenta enunció una poética intensa del paso del tiempo y del tratamiento de la luz que, sumada a la precisión técnica necesaria, convertirían sus paisajes en iconos del arte contemporáneo.
Rivas también abordó otros temas, como la naturaleza muerta de flores marchitas o de objetos aislados que yacen abandonados en el espacio y el tiempo. El tratamiento de estas imágenes refleja su admiración por la pintura de Rembrandt y Durero, así como por los bodegones de Francisco de Zurbarán.
En el año 1994 el festival fotográfico de Arles le invita a realizar un audiovisual sobre Jorge Luis Borges en el que Rivas interpreta al escritor a través de cien diapositivas, algunas de ellas tomadas en el cementerio de la Recoleta de Buenos Aires. En su madurez profundiza en la obra del poeta Fernando Pessoa, tomando como eje de su pensamiento creativo su poesía y el Libro del desasosiego. También destaca su admiración por la obra de Marcel Proust En busca del tiempo perdido.
Desde joven le había llamado la atención el espíritu de la Guerra Civil española y en 1999 expresó creativamente este interés, materializándolo en las imágenes que tomó de los rastros dejados por la contienda. En «Huellas de la Guerra Civil española» el artista nos muestra las señales de un tiempo pasado que se registran en el presente, documentando su repercusión en aquello que nos rodea. De esta forma consigue transmitir lo invisible con sutileza, nos habla en silencio a través de rostros, muros, casas, paisajes que, pese a haber sobrevivido a la tragedia que hoy aparece lejana, todavía conservan vestigios de dolor y constituyen una parte de la historia muda de España. Belchite, Corbera d’Ebre, Figueres y Lleida son algunos de los escenarios de las fotografías.
En su texto de presentación de esta serie titulado «Huellas que nos miran» escribe la filósofa Nelly Schnaith: «Mucho se ha dicho sobre las estrechas relaciones que la fotografía mantiene con la muerte. El clic de la cámara ejecuta porque inmoviliza las coordenadas mismas de la vida, el devenir en el tiempo y el espacio. Las fotos de esta muestra cuyo tema es la propia muerte producen, extrañamente, el efecto contrario: al dar muerte a la muerte dan vida a lo muerto. Esas imágenes que son a medias testimonio y documento crean también una escena de ficción, iluminan un espacio imaginario que aumenta la veracidad del documento y lo preserva para el porvenir, cuando la memoria de esos seres modestos, de esos paisajes pobres y despojados no tenga ya ni siquiera el apoyo material de sus huellas. Cuando la historia y el delirio urbanístico los hayan borrado de hecho, sin restos ni huellas, las fotos de Rivas nos mirarán por ellos demostrando lo que, sin saber, debían presentir en su fuero íntimo: nuestra memoria es más importante y de más largo aliento que nosotros.»
Estas fotografías inciden directamente en la consciencia de los espectadores con la intención de que tomemos en cuenta el sufrimiento que generan ésta y todas las guerras. Esta obra, de contenido ético y crítico, es un testimonio antibélico y una denuncia de la violencia en general; la serie completa comprende 56 fotografías.
Humberto Rivas, conocedor de la historia del arte, era un gran admirador de Goya y de sus «Desastres de la guerra».
Su trayectoria artística fue mostrada en una exposición antológica en 2006 celebrada en el Museu Nacional d’Art de Catalunya de Barcelona.
En sus últimas fotografías, realizadas entre el 2000 y el 2005, Humberto Rivas acentuaba los matices del negro y demostraba su dominio del claroscuro en obras de gran esencialidad. El artista concluyó su actividad como fotógrafo con trabajos en que lo primordial y lo sutil establecen un diálogo. Algunas de estas imágenes están reproducidas en el catálogo Iluminar, su última muestra individual celebrada en 2008.
Su obra figura en importantes colecciones nacionales e internacionales y se han publicado numerosos libros sobre su trabajo.
En 1997 el Ayuntamiento de Barcelona le concedió el Premio de Artes Plásticas Ciudad de Barcelona. En 1998 obtuvo el Premio Nacional de Fotografía, otorgado por el Ministerio de Cultura español. En 1999 recibió en Argentina el Premio Konex. En 2009 el Ayuntamiento de Barcelona le otorgó la Medalla de Oro al Mérito Artístico. Murió el 6 de noviembre de 2009 en Barcelona.
HUMBERTO RIVAS
LA DESNUDEZ ORIGINAL por Marta Gili
“Cuando la mujer vio que el árbol era el bueno para comer, y que era agradable a los ojos, y que el árbol era deseable para alcanzar sabiduría, tomó de su fruto y comió; y dio también a su marido que estaba con ella, y él comió. Entonces fueron abiertos los ojos de ambos, y conocieron que estaban desnudos; y cosieron hojas de higuera y se hicieron delantales.” (Génesis 3, 6-7)
Tal vez esta historia sea la más bella y poética que jamás se haya escrito sobre el origen del conocimiento. Sin entrar en cuestiones de credo religioso, siempre me pareció conmovedor que Adán y Eva se avergonzaran más por su desnudez que por haber desacatado la prohibición divina. Como el adolescente, el día que descubre con turbación que su cuerpo ya no es el mismo que engendró su madre y los esconde celosamente de su mirada, así Adán y Eva inauguraron, en esta historia, la era de la conciencia.
Escribía Paul Valéry que “los hombres se distinguen por lo que muestran y se parecen por lo que ocultan”. La mayor parte de nuestra existencia la consagramos a forjar un tipo de máscara propia y exclusiva, con el propósito de ocultar esa desnudez primigenia que nos hermana y que nos recuerda que no somos seres eternos.
Con este nuevo artilugio, la fotografía, clasificamos, archivamos y registramos todo el mundo, desafiando las nociones de distancia y espacio. Y así, sin darnos cuenta, trasladamos al papel fotográfico nuestros recuerdos y nuestra memoria. Y no es necesario experimentar para ver, ni observar para saber. Esta vez nos postramos nuevamente ante esa atávica contemplación estética del mundo, y creemos a pies juntillas que aquello que muestra la fotografía es la realidad. Sin embargo, hay otro tipo de imágenes que turban y desconciertan por su gran carga de ambigüedad. Son fotografías que atrapan la mirada, que la secuestran sin compasión, que no apelan a la memoria, ni al registro; que no dan respuestas, sino que interrogan. Y las imágenes de Humberto Rivas pertenecen a esta última categoría.
Para mi, todas las fotografías de Humberto Rivas son “desnudos”. No importa si lo que la fotografía representa es una calle, un rostro o un paisaje. Todas son en realidad una misma imagen, sobria y penetrante. Lo único que cambia en ellas es la apariencia de lo fotografiado, pero se mantiene lo oculto, el ser original desprovisto de forma y vanidad.
Humberto Rivas retrata, precisamente porque el retrato pone en relación dos individualidades en una misma intimidad. Los edificios, las calles o las paredes que fotografía Humberto muestran su vida quieta. Son soledades que acompañan al fotógrafo, del mismo modo que lo retratos de María, Lucía o Violeta La Burra. En ellas lo animado y lo inanimado se hermanan de nuevo en ese abrazo arquetípico, cuya existencia intuimos muchos en el principio de las cosas. Nuestra frenética obsesión por definir la “esencia” o la “naturaleza” de lo humano y por erigirnos en los seres superiores del universo rompió para siempre este hechizo amoroso.
Alguien dijo que la fotografía no puede traspasar la superficie de la piel y que precisamente en ello radica su grandeza. Y puede que así sea. De todos modos, no siempre la verdad puede mostrarse tal cual es. Hay que sugerirla, realizar un gesto simple que la insinúe. Es esta la estrategia mediante la cual Humberto Rivas nos descubre su secreto peor guardado. Con un leve gesto, con una presencia sutil, Humberto Rivas se presenta también así mismo a través de sus imágenes. Él es todo a la vez, una cara misteriosa, un rincón solitario o un mar embravecido.
Muchas veces me imagino a Humberto fotografiando el amanecer. Cuando las cosas todavía no se han vestido para presentarse al mundo, y el sueño hace más fácil atravesar los muros de nuestra piel. Entonces, entre dos luces, me figuro a Humberto respirando profundamente y descubriendo que él no es otra cosa que “un sueño dentro de otro” –como diría E. A. Poe-, y que, de tanto buscar el alma ajena, encontró la suya propia.
Cuando Humberto Rivas llegó a Barcelona en 1976, dejando atrás (pero jamás olvidando) su Buenos Aires natal, ya era un fotógrafo reconocido en su país. Con esa discreción personal que le caracteriza, pronto se convirtió en un punto de referencia indiscutible también para la fotografía española. Paciente y entrañable, muchos de los fotógrafos de las jóvenes generaciones han encontrado en él a un gran maestro y consejero.
Su coherencia a la hora de promulgar una determinada manera de entender la fotografía no se debilitó, incluso en un país como España donde tardaba mucho en verse legitimada artísticamente. Pero su tenacidad y constancia dieron sus frutos, y 1997 fue especialmente alentador. Recibió ese mismo año dos premios emblemáticos: el Premio de Artes Plásticas de la Ciudad de Barcelona y el Premio Nacional de Fotografía.
No dejarse llevar por la corriente es, a todas luces, una de sus grandes virtudes. Como en el famoso cuento de Hans Christian Andersen, El traje nuevo del emperador. Se trata de la historia de un vanidoso emperador cuya única preocupación era mostrarse elegante y refinado ante su pueblo. Un día dos tunantes se presentaron en la corte y le juraron que ellos eran capaces de confeccionarle el traje más bello y singular que jamás hubiera existido. La peculiaridad de este traje, decían los supuestos sastres, era que los estúpidos o incompetentes no podían verlo. Una vez lista la vestimenta, el emperador se paseó por su reino convencido de que, aunque el fuera incapaz de verlo, sus súbditos admirarían su elegancia. Ningún ministro de su corte se atrevió a reconocer que no veía el color ni la hechura de tan magna indumentaria, por miedo a parecer insensatos a los ojos de todos. Finalmente, un niño que pasaba por allí y que todavía no entendía la doblez de los adultos, exclamó a voz en grito: “¡El emperador está desnudo!”.
Sólo una mirada honesta como la de Humberto Rivas puede advertirnos, como el niño del cuento de Andersen, que las cosas no son lo que parecen y que las numerosas estrategias de camuflaje que nos forjamos ante la vida nos alejan más aún de nosotros mismos y del resto del universo. Ante estas imágenes uno tiene que deshacerse de la consciencia por un momento y procurar aproximarse lo más posible al fundamento de la vida, a la desnudez original. Y, aunque sólo sea por unos instantes, actuar con el corazón. Porque, como escribía otra vez Pessoa, “El corazón, si pudiese pensar, se pararía”.
Barcelona, 1998
Exposiciones individuales
1959 Galería Galatea, Buenos Aires. (Ar).1960 Galería MEEBA, Buenos Aires. (Ar). Galería Galatea, Buenos Aires. (Ar).1962 Galería Lirolay, Buenos Aires. (Ar). Galería Galatea, Buenos Aires. (Ar).1964 Galería Lirolay, Buenos Aires. (Ar).1968 Museo de Bellas Artes, La Plata. (Ar).1975 Galería Arte Múltiple, Buenos Aires. (Ar).1976 Museo de Bellas Artes, Olavarría. (Ar).1979 Galería Fotomania, Barcelona. (Es). 1980 Museo de Arte Contemporáneo, Mar del Plata. (Ar). Galeria Fotokit, Vitoria. (Es).1981 Galería ARPA, Burdeos. (Fr). Galería Arte Múltiple, Buenos Aires. (Ar). Museo de Arte Moderno, Buenos Aires. (Ar). 1982 Canon Photo Gallery, Ámsterdam. (NL). Galería Forum, Tarragona. (Es). Galeria Fuji. Sao Paulo. (Br). 1983 Forum Stadtpark, Graz, (Austria). Galería Spectrum Canon, Zaragoza. (Es). Galería Agathe Gaillard, París. (Fr).1984 Galería El Setze, Martorell. (Es). Galería Image, Madrid. (Es). Museo de la Ciudad de Córdoba, Córdoba (Ar). 1985 Museo de la Ciudad de Córdoba, Córdoba. (Ar). Galería Guadalquivir, Sevilla. (Es).1986 Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires. (Ar).1987 Galería Omega, La Plata, (Ar).1988 Centro Cultural Ciudad de Buenos Aires (CCCBA). (Ar). Galería nueva imagen, Pamplona. (Es).1990 Mois de la Photo, Reims. (Fr).1991 Sala Arcs, Fundació Caixa de Barcelona, Barcelona. (Es). Galerie Contratype, Bruselas. (Be). Museo de Arte y Costumbres populares. Pabellón Mudéjar. Sevilla.(Es). Sala de la Caixa de Pensions, Granollers. Barcelona. (Es). Bienal Internacional de Fotografía, Tenerife. ( Es).1992 Galerie Perspectief, Rotterdam. (NL). Sala de la Caixa de Pensions, Girona. (Es). Sala Casa de Cultura, Las Palmas de Gran Canaria.(Es). «Humberto Rivas fotografías» Bilbao Bizcaia Kutxa, Bilbao. (Es). 1993 «Encontros da Imagem» Braga. (Pt). Rencontres internationales de la photographie Arles, abadía de Montmajour. Arles. (Fr).1994 Galería Antonio de Barnola, Barcelona. ( Es).1995 Sala de Exposiciones, Universidad de Salamanca. Salamanca. ( Es). Centro Cultural San Martín. Buenos Aires. (Ar). Musée des beaux-arts de Montréal, Montréal. Québec. (Ca).1996 IVAM - Centre Julio González. Valencia. (Es). Galería Antonio de Barnola. Barcelona. (Es). Escuela de Arte. Huesca. (Es).1997 Caja de Burgos. Burgos. (Es). Caja Canarias, Tenerife ( Es). Sala de Arte de la Caja General de Ahorros de Canarias. Puerto de la Cruz. (Es). 1998 Galería Marlborough, Madrid. (Es). Photoespaña, Torre Caja Madrid, Madrid. (Es). Caja Madrid, Barcelona.(Es).Caja Cantabria-Obra Social y Cultural, Santander.(Es).1999 Sala Millares. Ministerio de Educación y Cultura, Madrid. (Es). Centro Galego de Arte Contemporáneo CGAC. Santiago de Compostela. (Es). Galería Antonio de Barnola, Barcelona. (Es). Tinglado 1 del Moll de Costa. Tarragona. (Es). 2000 Sala Capitular del Claustre del Reial Monestir de Sant Cugat del Vallès. Barcelona. (Es). Instituto Cervantes, Lisboa. (Pt). «Paisajes», Sala Bancaja Abadía, Castellón. (Es). Centre Cultural de la Mercè, Girona. (Es). 2001 Fundación Federico Jorge Klemm, Buenos Aires. (Ar). 2002 Espai Guinovart, Agramunt. Lleida. (Es). Sala Rivadavia, Fundación Provincial de Cultura de la Diputación de Cádiz, Cádiz. (Es). Embajada de la República Argentina, Madrid. (Es). Capilla de Sant Corneli, Cardedeu . Barcelona. (Es).2003 Centre Cultural Sa Nostra. itinerància: Palma de Mallorca, Maó, Ciutadella, y Eivissa. (Es). Monasterio de Sant Cugat del Vallès, Sant Cugat del Vallès. (Es).2004 Fundación Niebla, Casavells. Girona. (Es). Sede Fundación Astroc. Madrid. (Es). Centro Galego de Arte Contemporánea. CGAC. Santiago de Compostela. (Es). 2005 Galería Palma XII, Vilafranca del Penedès, Barcelona. (Es). Espacio Alliance Française de Sabadell, Sabadell . (Es). The J.Paul Getty Museum. Los Angeles. Erna. (U.S.)2006 Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona. (Es). 2007 «Huellas», Museu Morera, Lleida. Itinerante: Museu Joan Abelló, Mollet del Vallès; Museu Tomàs Balvey, Cardedeu; Can Sisteré, Santa Coloma de Gramenet (Barcelona); Centre Cultural de la Mercé, Girona; 2008: Sala d’exposicions, Castellbisbal, Barcelona; Centre d’Art Can Castells, Sant Boi de Llobregat, Barcelona; Centro Cultural Blanquerna, Madrid; Centre de Cultura, Ripollet; Centro Andaluz de Fotografía, Almería. (Es). Galería Michel Soskine, Madrid. (Es).2008 «Iluminar» Galería Hartmann, Barcelona. (Es). Galerie Brun Léglise, París. (Fr).2010 « Inéditos y Vintage» Galería Michel Soskine, Madrid. (Es).2012 Galerie Brun Léglise, París. (Fr). «Compromís Creatiu» Museu de Granollers.(Es).
Exposiciones Colectivas
1960 Galería Galatea, Buenos Aires. (Ar)1969 «Art Jeune», Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. (Fr).1977 «Fotógrafos argentinos», Spectrum Canon, Barcelona. (Es).1979 «Incontri di fotografia», Prato. (It). «Una mirada Española» Galeria Fotomanía, Barcelona. (Es). Musée de Beaux Arts. Musée Bonnat. Bordeaux. (Fr).1980 «Spanish Photography», The Night Gallery, Londres. Itinerante: The Photographic Gallery, Cardiff; Open Eye Gallery, Liverpool. (GB). «Homenatge a Man Ray», Galería Eude, Barcelona. (Es). 1981 «Fotografía española contempóranea» 2ºColoquio Latinoamericano de Fotografía. México DF. (Mx). «Fotografie Lateinamerika, von 1860 bis Heute», Kunsthaus, Zúrich. (Suiza). Galerie Canon, Ginebra. (CH). Galerie Trépied, Ginebra. (CH). «Vida argentina en fotos» Centro Cultural de Buenos Aires. Museo de Arte Moderno. (Ar). 1982 Galerie FNAC, París. (Fr). «I fotografi spagnoli» Assessorato alla Cultura del Comune di Termoli. (It). «Fotografia Contemporània a Catalunya» Primavera Fotográfica, Generalitat de Catalunya, Barcelona (Es). Galeria Fuji. San Paulo. (Br).1983 Nikon Gallery, Zúrich. (CH). «L’Architecture: Sujet, Objet ou Prétexte?», Musée Bonnat, Galerie des Beaux-Arts. Itinerància: Agen, Bayonne, Bordeaux, Lot-et-Garonne. (Fr). «Photographes catalans», Musée des Beaux-Arts, Perpiñán. (Fr). «European Portraiture», Northlight Gallery, Arizona. (U.S) «Fotografía actual en España», Círculo de Bellas Artes, Madrid. (Es). Cercle Cultural de la Caixa de Pensions. Granollers. (Es). «Fotografía Europea Contemporánea», Milano.(It)1984 «Jornades fotogràfiques de València», Sala Parpalló, Valencia. (Es). Primavera Fotogràfica, Galería Ciento, Barcelona. (Es). «Humberto Rivas. Su obra fotográfica», Museo de la Ciudad de Córdoba. (Es). Museo de la Ciudad de Córdoba. (Ar).1985 «Fotógrafos actuales españoles», Sala de Exposiciones El Monte. Sevilla. (Es). «Retratos», Diámetro 77, Barcelona. (Es). «La Albufera. Visió tangencial», Caixa de Pensions, Valencia. (Es). «La ciutat fantasma», Fundació Joan Miró, Barcelona. (Es). «Semana Internacional de la Fotografía» SIF 85. Palacio de los Duques del Infantado, Guadalajara. (Es). «L’Oeil Permanent», Nantes. (Fr). «Mois de la Photo» Paris. (Fr). «Visiones de una colección- Gabriel Cualladó» Sala Barquillo. Madrid. (Es).1986 «Contemporary Spanish Photography», University Art Museum of New Mexico, Albuquerque. (Mx). «Le portrait», Galerie Les Somnambules, Toulouse. (Fr).«Beaux-Sinestre», Galerie Forum, Arles. (Fr). «La Nouvelle Photographie Catalane», Douarnenez. (Fr). Galerie Perspectief, Rotterdam. (NL). «Photographes Latino-Americains en Europe» Maison de l’Amérique Latine. Mois de la Photo. París. (Fr). «Lo bello y lo siniestro», Sala Arcs, Fundación Caixa de Barcelona. Barcelona.(Es). 1987 Marcus Pfeiffer Gallery, Nueva York. (U.S.). «Retratistas», Sala Arcs, Fundación Caixa. Barcelona. (Es). «Corps et âme», Arles. (Fr). «Tarraco, objecte i imatge: onze fotògrafs al Museu Nacional Arqueològic de Tarragona», Museu Nacional Arqueològic, Tarragona. (Es). «Nueva imagen» Fotogalería. (Es). «Échos d’Espagne» Vieille Eglise, Fondation Charles-Cante. Mairie de Mérignac. (Fr). «10 años de imágenes 1977-1987» Galeria Spectrum, Zaragoza. (Es). 1988 «Het Portet» Canon Image Center/Pulitzer Art Gallery/Hotel, Àmsterdam. (NL). «12 años», Centro Cultural Ciudad de Buenos Aires. (Ar). «Splendeurs et misères du corps», Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. (Fr). «Diez ejemplos de la fotografía de autor en España», Fotoporto ’88, Casa de Serralves, Oporto. (Pt). 1989 «Creació fotográfica a Espanya 1968-1988», Generalitat de Catalunya. Departament de Cultura. Barcelona. (Es.) 1990 «To be and not to be», Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona. (Es). Festival de Teatro y Danza de Aviñón, Aviñón. (Fr).1991 «Open Spain», The Museum of Contemporary Photography, Chicago. (U.S.). «L’autre monde», 22è Rencontres internationales de la photographie, Arles. (Fr.). «Cuatro direcciones», Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. (Es). «40D8: 40 Imatges de 8 fògrafs» Centre Cultural de L’Hospitalet. L’Hospitalet del Llobregat. (Es). «Catalogo General 1991» Fotonoviembre. Bienal Internacional. Cabildo Insular de Tenerife. (Es). «Retratos. III Mostra Fotografica» Lugo. (Es). 1992 Museo Provincial de Lugo, Lugo. (Es). Derby Photography Festival, Derby. (GB). «musa museu», La Virreina. Barcelona. (Es). «40 Edición Salón Internacional de Fotografía» Caja de Ahorros de Asturias, Gijón. (Es). Palacio Revillagigedo. Centro Internacional de Arte. 40 salón Internacional de Fotografía. Gijón (Es).1993 «Fotografía latinoamericana», Casa de América, Madrid. (Es). «Encontras da imagen ACFA», Braga. (Pt.) «Imatges escollides» La Col.lecció Gabriel Cualladó, IVAM, València. (Es). «Jardins do Paraiso» Galeria do Museu Antropologico da Universidad de Coimbra (Pt).1994 Mois de la Photo, Reims. (Fr). «Spanish Photography», Londres. (GB). «Alegoría de la fotografía», Galería Alejandro Sales, Barcelona. (Es). «Barcelona a vol d’artista», Centre de Cultura Contemporània de Barcelona. (Es). «Il ruolo della critica», Galeria Civica di Modena, Modena. (It). «Itenerarios de Fronteira», Encontros de Fotografía, Coimbra. (Pt). «One Hundred Years of Photography in Argentina», Queens College Art Center, Nueva York. (U.S.) «XIII Salón Nacional de Artes Plàsticas» Fotografía. Ayuntamiento de Alcobendas. (Es). Espai Visor–Galeria Visor, I jornades fotogràfiques a València. (Es). 1995 «Alfandega Nova», Museu dos Transportes e Comunicações, Oporto. (Pt). «La poesía de los sentidos», Sala de Exposiciones de Caja Canarias, Santa Cruz de Tenerife. (Es). «Paysages, lieux et non-lieux. Le paysage dans la photographie européene contemporaine», Galería Tutesall, Luxemburgo (Lu). «El cuerpo y la memoria», Canal de Isabel II, Madrid. (Es). «Jardins do Paraiso» Coimbra. (Pt). «Sous l’emprise de la fascination» Maison de la Culture Côte-des-Neiges. Le Mois de la Photo. Montreal. (Ca). «Luz y Tiempo» Colección Fundacion Televisa. Mexico DF. (Mx)1996 «Lleida Panorama», Colegio de Arquitectos, Lleida. (Es). «Imatges. Fotografia catalana» Centre d’Art Santa Mònica. Barcelona. (Es). Itinerancia; Montreal Arts Intercultural Centre. Montreal. (Ca) «Colección fotografía Ordoñez Falcón» IVAM, Centre Julio González. Valencia. (Es). «Nu, tout simplement» La Galerie 3,14. Laon France. (Fr). «La colección Fotogràfica del IVAM» Centro Cultural Casa del Cordón, Burgos. (Es). «Encontros da Imagen» Oporto. (Pt). «Retratos. Fotografia Española 1848-1995» Fundacio Caixa de Catalunya. Barcelona. (Es).1997 «Collection d’oeuvres photographiques» 13Quai Voltaire, Paris. (Fr) «La otra orilla», Casa de América, Madrid. (Es). «100 anni di fotografía» Palazzo Bragatti Valsecchi di Milano. (It). «Col.leccions particulars» Museu D’Art Modern Tarragona. (Es). «Autoportrait» Galerie Municipal du Château d’Eau, Toulouse. (Fr). «Contra viento y marea» Escuela de Artes. Zaragoza. (Es). «Travestismo e identidad en el arte» Koldo Mitxelena. San Sebastian. (Es). «XVI Salón Nacional de Artes Plásticas» Fotografía. Ayuntamiento de Alcobendas. (Es). 1998 «Pasaje de ida», Galería Antonio Barnola, Barcelona. (Es). «Colección Fotográfica del Museo Nacional de Bellas Artes» MNBA. Buenos Aires. (Ar). 1999 «Arte Fotográfico Argentino» Colección Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. MAMBA. (Ar). Galería Alter Ego, Barcelona. (Es). «Propuesta 99. Fotografía española contemporánea», Ministerio de Educación y Cultura, Madrid. (Es).«Imago 99», Encuentros de Fotografía y Vídeo. Centro de Fotografía y Video. Universitat de Salamanca. (Es). IVAM Centro Julio González, Valencia. (Es). Museo Nacional de Buenos Aires. (Ar).2000 «España Ayer y Hoy» Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. (Es). «Una mirada española». Instituto Cervantes. Roma. (It). «Álbum de Barcelona». Galería Llucià Homs, Barcelona. (Es). «Fotografia en Cataluña 1900- 1999» Centro Cultural Conde Duque. Madrid. (Es). «Fet Aquí Mostra d’Art Llatinoamericà Contemporani» Casa Castellarnau. Ajuntament de Tarragona. (Es). «7x7x7» Sala Rekalde. Bilbao. (Es). PHE00 Festival Internacional de Fotografía. Madrid. (Es). 2001 Museo Civichi. Monza. (It). «Becarios Endesa 5», Museo de Teruel, Teruel. (Es). «7x7x7» Fundación Telefónica Madrid. (Es). «Géneros y Tendencias» Colección Ayuntamiento Alcobendas. Alcobendas. (Es)2001- 2002 «Antoni Gaudí: una visión poliédrica», La Pedrera, Casa Batlló, i Instituto Cervantes, Roma. Itinerante: Milán, Luxemburgo, Moscú, Múnich, Madrid y Nueva York. «Fragments» Museu de la Universitat d’Alacant (MUA). (Es). 2002 «Homenaje a Gaudí», Círculo del Arte, Barcelona. (Es). «Corpus Christi», The Israel Museum, Jerusalén. Centre Experimental de les Arts, Vallgrassa, Parc del Garraf. Barcelona. (Es). «Extranjeros. Los otros artistas españoles» Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente. Segovia. (Es). «Espejos de la Imagen. Una historia del retrato en España 1900-2000» Explorafoto. Festival de Fotografía. Salamanca. (Es). Caja Duero. Salamanca. (Es). Fundación Fotocolectania Barcelona. (Es). «Monumentos Futuros Esperia» Col.legi d’Arquitectes de Catalunya. Barcelona. (Es).2003 «Punto de Encuentro» La Colección (I) Centro de Arte Caja de Burgos (CAB), Burgos. (Es). «La mirada transeúnte». Colección BH&R. Fotografia Española Contemporánea. Madrid (Es). Palacio de la Alfajería. Zaragoza. (Es.) «El Otro, Yo» Fundación COFF. Sala Zapatería, Pamplona. (Es.)2004 «Vacuum», Galería Antonio de Barnola, Barcelona. (Es). «Breves como fotos. El retrato en la Fundación Televisa en Mexico» Fundación FotoColectania. Barcelona. (Es). 2005 Galería Palma XII, Vilafranca del Penedès. (Es). «Buenos Aires Buenos Aires» Centro de Arte Moderno. PHotoEspaña PHE05. Madrid. (Es). «Sujeto» Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC). León. (Es). «Córdoba: retrato de una ciudad» Fundación Rafael Botí. Córdoba. (Es). Alliance Française. Casa Taulé, Sabadell. (Es). «Mensajes Cruzados» Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo (ARTIUM), Vitoria. (Es). 2006 «Entornos» La Colección (6) Caja de Burgos. (Es).2007 «Vidas privadas», Colección Foto Colectania. Sede Fundación Astroc. Madrid. (Es). 2008 «De lo humano. Fotografia internacional 1950-2000» Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. Sevilla. (Es).«Mapas del sujeto», Bienal de Fotografía. Córdoba. (Es), «15 años de fotografía española contemporánea: Géneros y tendencias», Colección Alcobendas, Madrid. (Es). Instituto Português de Museus. Palacio Nacional da Ajuda, Lisboa. (Pt). Itinerante: Embajada de Tokio. «Miradas arquitectòniques» IVAM Generalitat Valenciana. Valencia. (Es). «Arquitectes» Galeria Manel Majoral. Barcelona. (Es)2009 «La mirada en el otro». Conexiones Confrontaciones. Ministerio de Cultura. Madrid. (Es) Artetendencias, Pozuelo de Alarcón. Madrid. (Es). «El Arte de mar» Fundación Forvm. Tarragona. (Es). 2010 «El Arte de mar» Museu Comarcal de l’Urgell, Tàrrega. (Es). Arts Santa Mònica. Barcelona. (Es). «Arte español en la colección de IVAM» IVAM Generalitat Valenciana. Valencia. (Es).2011 «Fotografia Argentina colección Rabobank» Museo de Arte Moderno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. (Ar). «arte esencial» Coleccion Olor Visual.Casino de la Exposición, Ayuntamiento de Sevilla. (Es). 2012 «Centre Internacional de Fotografia de Barcelona» Museu d’Art Contemporàni de Barcelona. MACBA. (Es). «La mirada en el otro. Conexiones Confrontaciones» Galeria Narodna. Embajada de España en Liubliana. (Sl).
Colecciones
Bibliothèque Nationale de France, París. Caja de Burgos, Burgos. Canal de Isabel II, Madrid. Colección Pública de Fotografía del Ayuntamiento de Alcobendas. Centre de Cultura Contemporània de Barcelona. Colección Gabriel Cualladó, IVAM, Valencia. Colección Ordóñez-Falcón, IVAM, Valencia. Fons d’Art de la Fundació la Caixa, Barcelona. Fundación Cultural Televisa, México. Fundació Forvm, Tarragona. Institut Valencià d’Art Modern. Centre Julio González, IVAM, Valencia. Los Angeles County Museum of Art, LACMA, Los Angeles. Fundación Federico Klemm, Buenos Aires. Maison Européenne de la Photographie, París. Museo de Arte Contemporáneo, Mar del Plata, Argentina. Collection Caisse de depôts et consignations. Colección Anna Gamazo de Abelló. Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, MAMBA. Museo Nacional de Bellas Artes, MNBA, Buenos Aires. Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona. The Museum of Contemporary Photography, Chicago. Artium. Centro-Museo de Arte Contemporáneo, Vitoria. Colección Olor Visual. Fundación Foto Colectania. Colección Paraarte. Colección Hazan. Fundación Televisa, A.C. México, Fondo del Ministerio de la Comunidad de Madrid. Rabobank Group, Argentina. Colección Campanar, Valencia. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid. Fundación MAPFRE. Madrid.
Espacio #2 – escaparate / Space #2 – Showcase:
Jaume Albert: RATÓN SALVAJE
"Cuando era niño mi tía Ana siempre nos llevaba a mis primos y a mi a la feria que se montaba en Valencia cada navidad. Se instalaba a principios de diciembre y solo entonces sabíamos que la navidad ya había llegado. De los quince días que teníamos de vacaciones en el colegio, ese era sin duda uno de los mas especiales. Durante unas horas entrábamos en un mundo mágico y fascinante, alejado de la complejidad y consiguiente aburrimiento del mundo adulto, era un mundo que aparentemente podíamos controlar, en el que podíamos elegir, un mundo ficticio aunque concreto, del que no queríamos salir."
Ratón Salvaje es una serie de retratos de los trabajadores de la feria de atracciones tradicional. Fotografías posadas de los vendedores de las entradas que dan acceso a las atracciones, metidos en sus casetas mirando frontalmente a la cámara. Es una catalogación de las atracciones y de sus trabajadores que han dado su consentimiento para ser fotografiados. La principal idea que subyace en el trabajo es que tras un contexto de luz, color, fantasía y diversión hay una forma de vida precaria, sacrificada, dura y nómada. El título de la serie es el mismo que el de una de las atracciones.Si la mirada inocente de un niño es incapaz de ver mas allá del artefacto lumínico y sonoro que se despliega ante si, la mirada del adulto, a través de la fotografía, no puede pasar por alto ese otro lado mas oscuro y salvaje, el de sus trabajadores, los feriantes, “outsiders” que se instalan en sus caravanas durante un tiempo determinado en el centro o en las afueras de una ciudad, para después marcharse a otra.Aunque la feria ha sufrido la competencia de los grandes parques temáticos estilo “Disney”, en el sentido de tener que incrementar la espectacularización y tecnificación de las atracciones, ha conseguido sobrevivir gracias a un imaginario particular y propio, el de las tómbolas y la música infantil, la escopeta de feria y la noria, los coches de choque y los caballitos ponis....que mucho tiene que ver con la fascinación por lo anacrónico y lo retro tan de moda en estos tiempos. Y es que la feria se esfuerza por mantener ese toque tradicional y “vintage” que no pueden ni quieren ofrecer los parques temáticos, mas centrados en alcanzar la excelencia tecnológica y económica, estos son de hecho, la versión moderna de la feria de atracciones.La serie ha recibido recientemente el premio Galerías Jurado de la V edición de Incubarte y también ha sido finalista en el certamen Arte40 y en Descubrimientos de PhotoEspaña 2013, ambos en Madrid.
Jaume Albert.